Trailers y Estrenos |
- 'Frozen: El reino del hielo', una delicia imprescindible
- 'Viernes 13', la saga que se resiste a morir
- Añorando estrenos: 'Danza macabra' de Antonio Margheriti
- 'Don Jon', chonis, amor y porno
- Tom McCarthy rueda 'The Cobbler' con Adam Sandler, Dustin Hoffman y Steve Buscemi
- 'Enemies Closer', tráiler y cartel de lo nuevo de Peter Hyams con Jean-Claude Van Damme
- Alfred Hitchcock: 'La sombra de una duda', la lógica
| 'Frozen: El reino del hielo', una delicia imprescindible Posted: 27 Nov 2013 07:14 AM PST Pixar y Ghibli han acaparado durante muchos años la lucha en lo referente a la disputa ilusoria sobre cuál era el mejor estudio de cine de animación. La paulatina pérdida de interés de los Clásicos Disney y la excesiva mala fama que adquirió la compañía hizo que el estudio que realmente puso en el mapa a las películas animadas cayese en un segundo plano en el que incluso se vio superada por otras producciones que tampoco eran nada del otro mundo. Eso sí, títulos tan flojos y olvidables como 'Zafarrancho en el rancho' ('Home on the range', Will Finn y John Sandford, 2004) o 'Chicken Little' (Mark Dindal, 2005) no eran precisamente una invitación a tener fe en sus siguientes trabajos. Fue con la curiosa 'Descubriendo a los Robinsons' ('Meet the Robinsons', Stephen J. Anderson, 2007) cuando se inició un cambio de tendencia que yo creía que había alcanzado su cima el año pasado con la notable '¡Rompe Ralph!' ('Wreck-It Ralph', Rich Moore, 2012). No voy a negar que tenía muchas dudas sobre las posibilidades de 'Frozen: El reino del hielo' ('Frozen', Chris Buck y Jennifer Lee, 2013), en especial por el algo desconcertante trabajo de promoción que Walt Disney ha realizado con su nuevo clásico —¿a qué suena raro mezclar esos dos conceptos?—, pero una vez vista puedo deciros que es una película deliciosa a la altura de los mejores trabajos de la compañía y que recuerda poderosamente a los realizados durante la primera mitad de los noventa. 'Frozen, el reino del hielo' y de BroadwayUna de las grandes claves de la mayoría de clásicos Disney es la utilización de temas musicales más o menos míticos que en no pocas ocasiones son incluso más recordados que las películas en sí mismas, llegando a haberse convertido en poco menos que himnos de una generación. Esto hace bastante que dejó de ser así y el auge de interés de sus producciones no habían estado asociadas a un crecimiento musical mínimamente equiparable a lo conseguido antaño. Con 'Frozen: El reino del hielo' ha habido una clara apuesta por solucionarlo al contratar a Robert Lopez, uno de los creadores de las estupendas obras musicales 'Avenue Q' y 'The Book of Mormon', para que hiciera las letras de las canciones junto a su esposa Kristen y fichando a Idina Menzel, una gran diva de Broadway, para que prestase su voz a una de las dos grandes protagonistas de la función. Toda una declaración de intenciones. Eso sí, el fuerte componente musical de 'Frozen: El reino del hielo' recuerda muy específicamente a las cintas animadas de Walt Disney realizadas tras el resurgir propiciado tras el estreno de 'La sirenita' ('The Little Mermaid', Ron Clements y John Musker, 1989), es decir, relatos en los que la teatralidad de las coreografías de las canciones ganaban mucha importancia –no es casualidad que 'El rey león' ('The Lion King', Rob Minkoff y Roger Allers, 1994) haya acabado convirtiéndose en un musical de Broadway—sin que ello afectase en ningún momento al interés de la película. En 'Frozen, el reino del hielo' sucede lo mismo, pero realzando hasta tal punto ese aspecto que uno llega a tener la sensación escuchando la excelente banda sonora de forma aislada que bien podrían pertenecer a una obra de teatro más que a una película de animación. Además, la integración de las canciones en la historia es impecable, ayudando según el caso a profundizar en las motivaciones de los personajes —maravillosa resulta 'Do you want to build a Snowman?' para definir a las dos protagonistas cuando éstas aún no son más que unas niñas— o a ir avanzando dramáticamente. De hecho, lo más habitual es que sirvan para ambas cosas y sólo el tiempo determinará si consiguen equipararse a la genial banda sonora de cintas como 'El rey león' o 'La bella y la bestia' ('Beauty and the Beast', Gary Trousdale y Kirk Wise, 1991). En su contra juega ciertos atentados contra el buen gusto realizados para la versión española –no podría disgustarme más el fichaje de Abraham Mateo—, pero las versiones originales de temas como 'Let it go', 'For the First Time in Forever' o la ya mencionada 'Do you want to build a Snowman?' son difícilmente mejorables. Un cuento de hadas modernoYa en la correcta 'Tiana y el sapo' ('The Princess and the Frog', Ron Clements y John Musker, 2009) y la muy disfrutable 'Enredados' ('Tangled', Nathan Greno y Byron Howard, 2010) se intentó ofrecer una visión moderna de los típicos cuentos de hadas de Disney, pero ha sido en 'Frozen: El reino del hielo' cuando se ha conseguido un conjunto más compacto sin la necesidad de sacrificar en ningún momento la frescura de la historia que se nos está contando. Antes que nada me gustaría resaltar que hay dos pegas de cierta importancia, ambas en el tramo final de la película y excesivamente reveladoras como para comentarlas directamente, pero también me gustaría decir que me parece que son un peaje más o menos necesario para una historia como la de 'Frozen: El reino del hielo', en especial la primera ya apuntada de forma indirecta en la campaña de promoción. Pasando ya a las numerosas virtudes de 'Frozen: El reino del hielo', lo primero que me gustaría destacar es el excelente acabado de la animación, donde no se tiene miedo a los grandes desafíos como el vertiginoso y maravilloso plano secuencia que tiene lugar tras el flashforward que sirve a modo de transición entre la infancia y la mayoría de edad de nuestras protagonistas. También es verdad que es un aspecto que podríamos dar casi por sentado en esta millonaria adaptación —su presupuesto se ha disparado hasta los 150 millones de dólares— del cuento de Hans Christian Andersen, pero el brío demostrado por Chris Buck y Jennifer Lee en la puesta en escena hace que no sea algo meramente accesorio y que surja un simbiosis casi perfecta con el libreto de Lee. Está claro que los tiempos han cambiado y la idea de presentarnos a una princesa pasiva y que parece no enterarse de la misa a la media no es demasiado atractiva en la actualidad, y eso es algo que se ha resuelto aquí con un talento inesperado, en especial en el caso de Ana —acertadísima la contratación de Kristen Bell para prestarle su voz—. Algo ingenua y ligera de cascos, Lee no tarda en dar profundidad al personaje para que pueda valerse por sí misma y que la necesaria fragilidad que acabe mostrando sea la consecuencia de un evento que no desvelaré en lugar de un simple rescate porque ha caído en una trampa demasiado evidente. Más directa es Lee en el caso de Elsa, ya que ella únicamente busca el bienestar de su hermana —y del reino en general—, actuando siempre en esa dirección y poseyendo un atractivo poder, tanto visualmente como para que ella pueda valerse por sí misma. Sí que hay príncipes encantadores, villanos y, aunque no me guste llamarlo así, ciertas concesiones para que todo desemboque de una forma bastante familiar para el espectador, pero es por la forma de hacerlo por lo que 'Frozen: El reino del hielo' consigue convertirse en uno de los mejores clásicos Disney de todos los tiempos. A veces cuesta mucho poner en palabras y justificar los sentimientos que te despierta una película, y en el caso que nos ocupa lo más adecuado sería decir que han conseguido una obra que te hace tener una sonrisa de satisfacción ante lo que sucede en pantalla, haciéndote reír cuando es necesario y emocionándote cuando hay que ponerse serio y puede que algo trágico vaya a suceder. Esto es algo que ya se consigue en su efectivo y brillante prólogo, donde se fija con gran precisión el atinado tono de la película —un cóctel de humor, aventura, drama y un puntito de tragedia— para no perderlo luego en ningún momento. Una de las grandes claves de las producciones de principios de los noventa que comentaba antes era la existencia de personajes secundarios utilizados primordialmente como alivio cómico, un arte que Disney controló por un breve espacio temporal —para mi gusto la cosa empezó a flaquear ya en 'Pocahontas' (Mike Gabriel y Eric Goldberg, 1995)— y que reaparece aquí, siendo la principal sorpresa de la función para quien esto escribe. Y es que no tengo problemas en reconocer que pensaba que iba a odiar con todo mi corazón al muñeco de nieve al que pone voz Josh Gad —casualidad o no, era uno de los miembros del elenco original de 'The Book of Mormon'—, pero él representa a la perfección el difícil equilibrio conseguido en 'Frozen, el reino del hielo', no fallando ni una sola vez en su constante uso humorístico, pero consiguiendo también que nos interesemos en lo que vaya a ser de él cuando el drama haga acto de presencia. Seguro que habrá quien reaccione con incredulidad cuando os diga que 'Frozen: El reino del hielo' es una de las mejores películas de 2013, tanto por la afirmación en sí misma como por el hecho de haber dicho lo mismo sobre uno de los estrenos de la semana pasada, pero yo no tengo culpa alguna de que haya sucedido así. Estamos ante una maravillosa puesta al día de los cuentos de hadas tradicionales de Disney con un tono más cercano a sus grandes obras de principios de los años 90 que a cualquier otra etapa de los clásicos Disney. Un deleite para los sentidos, en especial los amantes del cine de animación de todas las edades. Y por cierto, el cortometraje protagonizado por Mickey Mouse que se pasa antes de la película es otra delicia maravillosa. - 
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| 'Viernes 13', la saga que se resiste a morir Posted: 27 Nov 2013 05:37 AM PST Diez entregas, un crossover y un reboot dan forma a la saga ‘Viernes 13‘, una de las más longevas de la historia del cine. Lo más lógico habría sido que el relanzamiento, que recaudó 91 millones de dólares en todo el mundo cuando apenas había costado 19, hubiera tenido una secuela, pero la batalla legal por los derechos de la franquicia entre Paramount y Warner lo impidió. Sin embargo, ambas productoras llegaron a un acuerdo hace unos meses que permitía a la primera seguir explotando en la gran pantalla al personaje de Jason Voorhees, y ahora acaba de confirmarse un nuevo reboot que llegará a los cine el viernes 13 de marzo de 2015. Es curioso que Christopher Nolan vaya a ser el principal responsable de la existencia de esta película, ya que Warner quiso participar como productora de ‘Interstellar‘ (2014), la próxima película del director de ‘Origen‘ (‘Inception’, 2010) y Paramount sólo aceptó recibiendo a cambio, entre otras cosas, los derechos para poder hacer más películas protagonizadas por el asesino del campamento Crystal Lake. Eso sí, tenían un plazo de cinco años para hacer algo o los derechos regresarían a Warner, por lo que ya se han puesto manos a la obra. Por ahora nada se sabe sobre el argumento de la que será la decimotercera matanza de la saga —tampoco es muy complicado imaginar lo que pasará—, pero sí que Damian Shannon y Mark Swift, autores de los libretos de la muy disfrutable ‘Freddy contra Jason‘ (‘Freddy vs. Jason’, Ronny Yu, 2003) y de la fallida ‘Viernes 13‘ (‘Friday the 13th’, Marcus Nispel, 2009), tienen preparado un guión supuestamente estupendo. Tengo mis serias dudas sobre este último punto y hubiese preferido una secuela de ‘Freddy contra Jason’, pero los psicópatas cinematográficos son una de mis mayores debilidades y sé que acabaré viéndola, ¿y vosotros? Vía | Empire - 
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| Añorando estrenos: 'Danza macabra' de Antonio Margheriti Posted: 27 Nov 2013 03:59 AM PST En la estimable ‘Malditos bastardos’ (‘Inglorious Basterds’, 2009) el muy inteligente Quentin Tarantino rinde su particular homenaje a un director al que está harto de copiar, el italiano Antonio Margheriti, también conocido como firmaba muchas de sus películas de cara al mercado internacional, Anthony M. Dawson. La escena es aquella en la que Eli Roth tomaba prestado el nombre italiano para disimular delante de un muy perspicaz Landa (Christoph Waltz), un instante realmente divertido que servía como guiño a un director realmente interesante y que tuvo la desgracia de firmar engendros realmente espantosos sobre todo al final de su carrera y que en cierto modo, ocultaron las verdaderas joyas de una filmografía extensa, casi todas concentrada en los primeros diez años de su carrera, por ejemplo ‘Danza macabra’ (id, 1964), film que empezó a dirigir Sergio Corbucci quien a nada de empezar —de hecho no dirigió ni una sola secuencia— tuvo que dejar el rodaje y sugirió el nombre de Margheriti para que le sustituyera. Tomando como claras referencias algunas cintas de Mario Bava y Riccardo Freda, los dos directores italianos por excelencia que comenzaron una línea de películas sobre el horror en una cinematografía un tanto desconocida por estos lares y que en nada tienen que envidiar a las películas que paralelamente hacían Roger Corman por un lado en los Estados Unidos, basadas en los relatos de Edgar Allan Poe, o la mítica productora británica Hammer. Precisamente, Barbara Steele, la protagonista de esta ‘Danza macabra’, había trabajado con Bava en la inolvidable ‘La máscara del demonio’ (‘La maschera del demonio, 1960) y con Corman en ‘El péndulo de la muerte’ (‘The Pit and the Pendulum’, 1961) que la convirtieron con toda justicia en una de las musas del terror. Su presencia en las tres películas es de las que no se olvidan. (Frome here to the end, Spoilers) ‘Danza macabra’ es un ejercicio sobre el terror partiendo de una excelente premisa que puede tomarse a su vez como un ejercicio de metalingüismo. Un joven periodista —un Georges Rivière que resulta lo más flojo de la función— llega a Londres para entrevistar a nada menos que Edgar Alla Poe (Silvano Tranquilli), que se encuentra en una taberna amenizando la velada a los asistentes con una de sus fantasmagóricas y estremecedoras historias. Ante el escepticismo del joven recién llegado pronto surge un reto: un aristócrata, amigo de Poe, hace una apuesta de cien libras que termina en diez —muy inteligente detalle de guión que hace referencia a la pobreza de la profesión— a que no será capaz de aguantar durante toda una noche en una mansión de su propiedad sobre la que se vierte la maldición de que todo aquel que entra allí no sale con vida. El periodista acepta y emprenderá uno de los viajes al horror más fascinantes que ha dado el cine. Con una gran pobreza de medios, ‘Danza macabra’ luce como si tuviera un enorme presupuesto gracias a la sabia utilización sobre todo de la fotografía, obra de Riccardo Pallottini, que contrasta blanco y negro sacando provecho a cada situación que se plantea dentro de una mansión en la que vida y muerte, pasado y presente, se funden en una sinfonía del horror. Llaman la atención los primeros veinte minutos, aproximadamente, en los que el periodista está solo en la mansión y las sombras sugieren terrores del más allá. Un sencillo juego de iluminación para proponer más que mostrar consiguiendo resultados mayores a lo esperado, en una época en la que varios títulos similares al menos en atmósfera —léase ‘Suspense’ (‘The Innocents’, Jack Clayton, 1960) o ‘The Haunting’ (id, Robert Wise, 1963)— utilizaban las mismas armas narrativas ofreciendo un relato de terror puro y duro, y atención, en el caso del film de Margheriti muy atrevido para la época. En ‘Danza macabra’ hay lugar para todo, fantasmas, muertos que resucitan e incluso vampirismo, y la mezcla no chirría por ningún lado, al contrario, supone toda una revolución. Nuestro querido periodista será testigo durante la noche de cómo todos aquellos que encontraron la muerte en la mansión reviven una y otra vez la fatídica noche en la que perdieron sus vidas de forma violenta añadiendo nuevas víctimas a su tétrica función. En dichas historias habrá lugar para los celos, la envidia, e incluso el amor lésbico. No puedo dejar de imaginar las reacciones que debieron tener los espectadores de la época cuando en pantalla de lo montaban Barbara Steele y la morbosa y poco conocida actriz Margrete Robsahm, sólo vista en el montaje italiano, en una historia de amor lésbico que rememora el pasado, subraya el irreal presente y termina de complementarse con otra historia de amor, la que viven en esa larga noche el periodista con Elisabeth (Steele), incluso consumada con lo que ello supone. Si la película daba inicio con la espeluznante historia que narraba Edgar Allan Poe, concluye con otra frase del escritor después del maravilloso detalle del aristócrata cobrando las diez libras apostadas, cogidas de la billetera del cuerpo ya sin vida del periodista en la entrada de la mansión —detalle este de una inteligencia fuera de lo común, al ser eliminado por un elemento físico de la propia casa justo cuando se cree a salvo—. Cuando relate esta historia nadie se la creerá. Como siempre Conviene aclarar que la película dice estar basada en un relato, que no existe, del famoso escritor de Boston, en lo que parece un juego con el propio espectador al proponer una ficción dentro de una ficción que concluye con una cruel realidad, la segura muerte. Toda una maravilla bañada en elegancia por un lado, decadencia por otro, y una atmósfera fantasmagórica que corta el aliento. El propio Margheriti se atrevió con un remake en color en 1971 titulado ‘La horrible noche del baile de los muertos’ (‘Nella stretta morsa del ragno’) no tan conseguida formalmente como ‘Danza macabra’ pero igual de fascinante en lo que narra. Recomendación: Acercarse a la versión italiana rodada en inglés, jamás al doblaje en italiano o español. Los diálogos en ambos doblajes no tienen absolutamente nada que ver con el original. - 
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| 'Don Jon', chonis, amor y porno Posted: 27 Nov 2013 03:11 AM PST Vale, sí, lo confieso: siempre he tenido una predilección especial por Joseph Gordon-Levitt y sí, empezó mucho antes de que se convirtiera en anti-héroe romántico en aquella película llamada ‘(500) días juntos’ (‘500 days of Summer)’, Marc Webb, 2005), y es que mi predilección empezó en sus tiempos de actor adolescente en televisión, pasando por su gran proyecto de plataforma online de arte colaborativo hitRecord.org. Por eso, no es de extrañar que esperará su debut como director como agua de mayo. El resultado es ‘Don Jon’, una versión libre y moderna del famoso Don El primer largometraje de Gordon-Levitt nos cuenta la historia de Jon Martello, un joven de hoy en día que tiende a deshumanizar todo lo que ocurre en su vida: su apartamento, su coche, su familia, su iglesia y por supuesto, sus mujeres. Sus amigos le llaman Don Jon por la habilidad que tiene para conseguir mujeres “10” cada fin de semana. Sin embargo, hasta los ligues más sofisticados no pueden compararse con la felicidad trascendental que consigue Jon viendo pornografía delante de su ordenador, a solas. Insatisfecho, se embarcará en una aventura a la búsqueda de una vida sexual más gratificante y acabará aprendiendo las grandes lecciones de la vida y del amor a través de su relación con dos mujeres muy distintas. ‘Don Jon’, chonis, amor y porno Jon Martello, el personaje protagonista de ‘Don Jon’ no tiene ningún reparo en admitir que sólo encuentra la completa felicidad cuando ve porno. Un interesante comienzo el que propone Joseph Gordon-Levitt para dejar bien claro que su personaje no conoce el amor y por lo tanto, para que el espectador está ante una comedia romántica en la que su protagonista, antes o después, se va a enamorar y va a darse cuenta de que el sexo con amor es mucho mejor. Así, a simple vista es como cualquier otra rom-com que nos llega de Estados Unidos, pero aunque se queda un poco en la superficie, el debut de Gordon-Levitt termina resultando bastante refrescante. Y es que aunque al final trate el tema de forma algo superficial, ‘Don Jon’ es original por varios motivos. El primero su estética choni. Sí, Jon Martello es un choni de cuidado: musculitos discotequero, don juan —de ahí el nombre de la película—, coche deportivo y familia más choni todavía. Un retrato de una parte de la sociedad estadounidense —y que mucho recuerda a ‘Jersey Shore‘— y que Gordon-Levitt refleja sin prejuicios. Una interesante decisión, ya que el director no opta por convertir a sus personajes en simplones pero filósofos como tienden a hacer las comedias estadounidenses que todos conocemos. No, los personajes son simples y punto y no necesitan utilizar un lenguaje rimbombante para conocerse a sí mismos. El Don Juan que las vuelve locas Y para interpretar a este puñado de chonis adorables, Joseph Gordon-Levitt se rodea de un elenco de excepción, que encabeza el mismo, tras sufrir una gran transformación física a base de horas de gimnasio. Aunque no es su mejor papel —dirigir y actuar en la misma película no debe ser fácil—, Joseph Gordon-Levitt sigue pareciéndome uno de los mejores y más interesantes actores de su generación y que promete dar una gran sorpresa de un momento a otro. Junto a él, la exhuberante Scarlett Johansson luciendo vestidos ajustados y pendientes de aro y mascando chicle para dejar de lado su glamour; la siempre fantástica Julianne Moore o el divertidísimo Tony Danza interpretando al padre de Jon Martello y que protagoniza algunas de las secuencias más divertidas de la película. ‘Don Jon’ funciona, sobre todo porque es honesta consigo misma y no quiere ser nada que no es: una comedia romántica algo inusual, divertida y que, aunque cae en los estereotipos en todos los sentidos, consigue atraparte con su sencillez. Otras críticas en Blog de Cine: - 
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| Tom McCarthy rueda 'The Cobbler' con Adam Sandler, Dustin Hoffman y Steve Buscemi Posted: 26 Nov 2013 05:43 PM PST Arriba tenéis a Adam Sandler en una fotografía tomada durante el rodaje de ‘The Cobbler’, que por suerte no es otra de esas comedias idiotas con las que suele triunfar en taquilla sino el nuevo trabajo del actor, escritor y director Tom McCarthy, responsable de las estupendas ‘Vías cruzadas’ (‘The Station Agent’, 2003), ‘The Visitor’ (2007) y ‘Win Win’ (2011) —mi favorita es la primera—. Como en las anteriores, ‘The Cobbler’ parte de un guion de McCarthy, centrado esta vez en un zapatero con la habilidad de asumir la vida de sus clientes a través de los zapatos que debe reparar. A falta de más detalles, de esa breve sinopsis puede resultar cualquier cosa, habrá que esperar al tráiler para ver qué nos tiene preparado el autor norteamericano con su cuarto largometraje. Además de Sandler —ojalá vuelva al nivel de ‘Punch Drunk Love’ (P.T. Anderson, 2002)—, en el reparto figuran dos veteranos actorazos como Dustin Hoffman y Steve Buscemi, además de Dan Stevens, Sondra James, Melonie Diaz y Method Man. De momento no hay fecha para el estreno. Vía | BrooklynHeightsBlog - 
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| 'Enemies Closer', tráiler y cartel de lo nuevo de Peter Hyams con Jean-Claude Van Damme Posted: 26 Nov 2013 03:54 PM PST Hace poco más de 24 horas os comentaba la aparición del póster y el tráiler de ‘Welcome to the jungle‘ (2013), la comedia de Rob Meltzer en la que veremos a Jean-Claude Van Damme enseñando su cara más humorísticas. Parece que el universo no podía dejar que nos olvidásemos del lado más rudo del intérprete belga, por lo que ahora os traigo el cartel y el tráiler de ‘Enemies Closer‘ (2013), el thriller de acción que supone su reencuentro profesional con Peter Hyams, director, entre otras, de ‘Timecop, policía en el tiempo‘ (‘Timecop’, 1994) y ‘Muerte súbita‘ (‘Sudden Death’, 1995), dos de los mayores éxitos comerciales de la carrera de Van Damme. Van Damme dará vida en ‘Enemies Closer’ a un excesivo contrabandista que está intentado pasar droga por la frontera que separa Estados Unidos y Canadá y en cuyo camino se cruzan dos personas, interpretados por Tom Everett Scott y Orlando Jones, que se llevan a matar entre sí y que estaban a punto de zanjar para siempre sus diferencias. Eso quedará de lado cuando la vida de estos dos militares corra peligro tras intentar ser asesinados por los secuaces de Van Damme, comenzando entonces una lucha por la supervivencia que dejará tras de sí una cantidad indecente de cadáveres. El estreno en Estados Unidos tendrá lugar el próximo 24 de enero, justo dos semanas antes de la llegada de ‘Welcome to the jungle’. - 
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| Alfred Hitchcock: 'La sombra de una duda', la lógica Posted: 26 Nov 2013 09:20 AM PST ‘La sombra de una duda’ (‘Shadow of a Doubt’, Alfred Hitchcock, 1943) es, de todos los films dirigidos por el maestro del suspense, su preferido. No es de extrañar, hablamos de la que probablemente sea la obra maestra más sutil de la filmografía de Hitchcock y también aquella en la que más elementos autobiográficos hay. Varias son las razones por las que el director británico sostenía dicha afirmación; una era porque esta película es todo un deleite para ese tipo de espectador que Hitchcock bautizaba como “los lógicos” o “los verosímiles”, no hay en ella un sólo elemento forzado o disfrazado de cara a conseguir un suspense o simplemente un motivo para la acción, para el drama. Todo en ella es de una coherencia que asusta, a lo que hay que sumar también la fuerte carga psicológica tan del gusto de su autor. Por otro lado Hitchcock logró trabajar con uno de sus más admirados escritores, Thorton Wilder, el primer gran literato americano que se atrevía a trabajar con el director, que desde que había venido de Inglaterra, donde evidentemente era mejor considerado, había sido rechazado por famosos escritores por considerar que el material con el que trabajaba en sus películas era de baja calidad o no merecía la atención de autores consagrados. No hay más que echar un vistazo a los títulos de crédito de la película, en los que se puede leer el agradecimiento personal de Hitchcock a Wilder. Curiosamente Wilder dejó el guión sin terminar porque se fue al ejército y el director hubo de terminarlo contratando a Sally Benson y Alma Reville, su esposa. Evidentemente, y como hacía en todas sus películas, el propio director puso su impronta en dicho guión, uno de los más inteligentes de su extensa filmografía, que ya es decir. (From here to the end, Spoilers) ‘La sombra de una duda’ da inicio describiendo a dos personajes que son las dos caras de una misma moneda, obviamente y tal como se irán desarrollando los acontecimientos, el Bien y el Mal representados en las figuras del tío Charlie —un excepcional Joseph Cotten que acababa de debutar en el cine hacía poco de la mano de Orson Welles y que aquí logra una de las interpretaciones más memorables de su carrera—, este tumbado sobre la cama de una habitación de un motel en un suburbio de una ciudad, mirando al infinito mientras a su alrededor hay un montón de dinero desperdigado. Su sobrina Charlie —una bellísima Teresa Wright que también llevaba poco en el cine—, idéntico nombre, intenciones claras, es presentada de la misma forma, tumbada sobre su cómoda cama en su casa en Santa Rosa, California, soñando con algo importante que pueda pasar en su existencia. Eso será la inesperada y celebrada visita de su tío, a quien admira profundamente, incluso ama, y de quien desconoce es un asesino de viudas que ha elegido ese pequeño pueblo para esconderse del acecho de la policía. La llega del tío Charlie a la estación del tren posee una de esas imágenes premonitorias sobre lo que sucederá. Una inmensa humareda negra que sale de la chimenea de la locomotora sirve para sugerir la llegada de algo maligno al pueblo, Santa Rosa, que debido a la Segunda Guerra Mundial en las productoras no había suficiente dinero para decorados, y sirvió de escenario natural a muchas de las secuencias, algo inaudito para la época ya que lo lógico era rodar en estudios. De hecho, varios de los residentes del pueblo participan en la película haciendo pequeños papeles, como el de la niña, a la que Hitchcock vio por la calle y simplemente le hizo una prueba. La mayor aportación de Wilder fue precisamente en la descripción del tranquilo pueblo y sus habitantes, buscando cierto realismo y cotidianidad, conseguido con creces. Llaman la atención en ese dibujo de personajes la figura del policía de tráfico, la madre de Charlie y sobre todo el padre (Henry Travers) que junto a un vecino —Hume Cronyn en su debut en el cine, y que se convertiría en uno de los mejores amigos de Hitchcock— están todo el rato fantaseando cómo realizarían un asesinato perfecto, contrapunto cómico al verdadero drama de la historia, las sospechas de Charlie de que su admirado tío sea un asesino. ‘La sombra de una duda’ puede ser el reverso negativo de ‘Sospecha’ (‘Suspición’, 1941) en la que Cary Grant jugaba con su imagen con el público al ofrecer en bandeja la posibilidad de ser un asesino. Como en aquella, el personaje central es una chica inocente y alegre que siente una enorme atracción por el personaje masculino, en este caso su tío, lo cual añade elementos realmente morbosos al relato —la frase que ella pronuncia justo al cierre de la película tiene un clarísimo doble sentido—, y que en el segundo tramo del film dicha atracción va desembocando en duda e incertidumbre, incluso miedo. Una viaje pues, de un sentimiento a otro llevado por Hitchcock con una puesta en escena absolutamente perfecta y en la que no faltan sus típicos travellings descriptivos, esta vez utilizados para crear tensión. Sirva como ejemplo el instante en el que Wirght baja por las escaleras con el anillo que su tío le regaló, y que supone el único descuido por parte de aquél y también la única prueba de su culpabilidad. Queda para la memoria ese discurso lanzado por tío Charlie —este nombre se repite en la película unas 170 veces— cuando empieza a descubrirle sus verdaderas cartas, su verdadera personalidad, a su sobrina. En él describe el mundo como un lugar apestoso lleno de cerdos y difícil de entender para una chica tan joven, un asqueo general por todo lo que le rodea y también por la gente. Un dato realmente curioso porque no está exento de razón, el dilema está en que dicha visión de la vida, por muy verdadera que sea, no justifica bajo ningún concepto el asesinato de viudas, se lo merezcan o no. Un discurso verdaderamente terrible por su fiereza y que en cierto modo estaba en sintonía con lo que el propio Hitchcock estaba pasando justo cuando filmaba esta película. Una de sus mejores amigas, la excelente actriz Carole Lombard, a la que había dirigido hacía poco, fallecía en un accidente de avión, y su propia madre, Emma James Whelan, moría poco después. No es de extrañar que su estado anímico se transformara en verdadera pasión por lo que narraba en una película que navegaba de forma muy sutil en la maldad del ser humano y cómo algunos son capaces de ocultarlo a los ojos de una comunidad que peca de ceguera. Especial Alfred Hitchcock en Blogdecine: - 
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