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- Diez grandes comedias del siglo XXI
- Estrenos de cine | 13 de diciembre | Entre el Hobbit y Fassbender
- 'Calvary', tráiler de lo nuevo de John Michael McDonagh
- 'Moonrise Kingdom', de repente, el último verano
- 'Bienvenido a casa', problemas domésticos
| Diez grandes comedias del siglo XXI Posted: 13 Dec 2013 07:57 AM PST Hace poco más de un par de meses aproveché la cercanía de Halloween para proponeros una selección de diez grandes películas de terror del siglo XXI para así reivindicar al cine de dicho género realizado durante los últimos años, ya que es prácticamente seguro que ninguna de ellas hubiese entrado en mi lista de haber ampliado mi selección a toda la historia del cine y de haberlo hecho seguro que muchos lo hubieran considerado una excentricidad por mi parte. Hoy, aprovechando el reciente estreno de 'Tres bodas de más' (Javier Ruíz Caldera, 2013) y que 'Bienvenidos al fin del mundo' ('The World's End', Edgar Wright, 2013) hace nada que llegó a nuestros cines, ha llegado el momento de hacer lo mismo, pero con las comedias, otro género muy maltratado durante los últimos años. Ya os aviso que hay alguna que no he incluido al haber aparecido ya en mi selección de mejores películas de parodias, pues estamos ante lo que considero que son diez grandes comedias del siglo XXI, pero sin ánimo alguno de señalar que sean las mejores. Sin más que añadir, os invito a descubrir mis elecciones. ‘Aupa Etxebeste’Son muchas las películas españolas condenadas a no encontrar a su público natural. Es un tema del que ya os he hablado en varias ocasiones y en esta ocasión me gustaría aprovechar para reivindicar 'Aupa Etxebeste!', la ópera prima de Asier Altuna y Telmo Esnal que se llevó el premio del jurado joven en el Festival de San Sebastián de 2005. Este es un dato que nunca olvidaré porque yo formé parte de dicho jurado y no pude agradecer más que se pasara una película tan fresca, divertida y carente de pretensiones como ésta. La prueba perfecta de que en nuestro país se puede echar mano de un humor más local -–en este caso del País Vasco— al mismo tiempo que se usa una premisa más universal —la importancia de las apariencias y el qué dirán que llevan a los protagonistas a pasar sus vacaciones encerrados a cal y canto en su piso— y salir airoso del envite pese a contar con unos medios escasos –-el mayor lujo fue poder contar con cameos de Guillermo Toledo y Luis Tosar—. ‘Borat’No tengo problemas en reconocer que reaccioné con tremenda desgana y desinterés cuando me enteré de que la película seleccionda para uno de los pases sorpresa del Festival de Sitges era 'Borat' ('Borat: Cultural Learnings of America for Make Benefit Glorious Nation of Kazakhstan', Larry Charles, 2006), el nuevo largometraje protagonizado por Sacha Baron Cohen tras la lamentable 'Ali G anda suelto' ('Ali G Indahouse', Mark Mylod, 2002). No podría haber estado más equivocado, ya que estamos ante una casi perfecta sublimación de la incorrección política, algo cada vez menos inusual en el mundo de la comedia, donde la idea de poder escandalizar a alguien parece algo escandaloso. Brillante —y carismático— trabajo de Cohen y un acertadísimo uso de un tono visual que la emparenta con los mockumentaries, es la película de lo que llevamos de siglo que más carcajadas me ha provocado. Críticas en Blogdecine: ‘El reportero: La leyenda de Ron Burgundy’A veces me cuesta creer el estatus de genio de la comedia que ha adquirido Will Ferrell, ya que ha aparecido en películas que considero poco mejores que una completa abominación, pero también en otras cintas por las que siento una gran estima. Dado que el componente cómico de ‘Más extraño que la ficción‘ (‘Stranger Than Fiction’, Marc Forster, 2006) es sólo uno de los múltiples aspectos de esa genial película, he decidido decantarme por 'El reportero: La leyenda de Ron Burgundy' ('Anchorman: The Legend of Ron Burgundy', Adam McKay, 2004) y su Ron Burgundy, seguramente el rol más mítico de la extensa y variada carrera de Ferrell. Un peligroso cóctel de humor absurdo que la mayoría de las veces da pie a auténticas tomaduras de pelo, pero que aquí sienta las bases de un universo tan delirante y agudo que acabó dando forma a una gran comedia donde hay espacio para tramas imposibles, situaciones ridículas —hay cierta pelea tan delirante como desternillante— y, sobre todo, unos grandes personajes. Siento tanta curiosidad como miedo hacia su secuela. ‘Fido’No tengo nada en contra de 'Zombies Party' ('Shaun of the Dead', 2004), ya que, al igual que las otras dos entregas de la peculiar trilogía dirigidas por Edgar Wright y protagonizadas por Simon Pegg y Nick Frost, es una comedia muy divertida. Lo que sí me cuesta asimilar es que reciba tantos halagos, mientras que 'Fido' (Andrew Currie, 2006), otra muy disfrutable parodia del cine zombi, pasa tan desapercibida para el gran público. Su acertado look visual más propio de un melodrama de los años 50, la sutilidad de su humor –-lo cual no quiere decir que falten los momentos en los que llegas a partirte literalmente de la risa— y el buen trabajo de su reparto –-especialmente brillante Billy Connolly como el zombi mascota de la familia protagonista— son las grandes claves de una película que merece mayor difusión de la que ha tenido hasta la fecha. ‘La boda de mi mejor amiga’Hace unos días apareció un interesante estudio sobre el papel de la mujer en las más importantes películas de los últimos años en Hollywood, quedando demostrada la, por así llamarla, tiranía de los hombres —aquí podéis consultar los datos en una estupenda infografía—. Es entonces hasta cierto punto comprensible que apenas haya grandes comedias protagonizadas por mujeres, pero con 'La boda de mi mejor amiga' ('Bridesmaids', Paul Feig, 2011) quedó demostrado que están perfectamente capacitadas para hacer que nos partamos de risa. La gran culpable de ellos es una Kristen Wiig en estado de gracia, tanto dando vida a una protagonista tan patética como entrañable —genial su rivalidad con el personaje interpretado con brillantez por Rose Byrne— como escribiendo un guión con mucha más sustancia de la que pueda parecer. Eso sí, tengo sentimientos encontrados hacia la película por culpa de haber disparado la popularidad de Melissa McCarthy, tronchante aquí —muy merecida hasta su nominación al Oscar—, pero bastante insoportable en las comedias que ha protagonizado posteriormente. ‘No Controles’Borja Cobeaga tan sólo ha rodado dos películas hasta la fecha y ambas son comedias que perfectamente podría haber incluido en la lista. Por un lado, 'Pagafantas' (2009) ya deja clara su temática desde su titular y funciona muy bien hasta que la trama y los personajes se le escapan un poco de las manos durante su tramo final. Por otro lado, 'No Controles' (2010), una película mucho más compacta repleta de brillantes secundarios –-seamos justos y reconozcamos que los dos protagonistas son los más sosos— entre los que sobresale con fuerza propia Julián López como JuanCarlitros, al que no tengo problemas en calificar como el mejor personaje cómico de lo que llevamos de siglo. La representación perfecta del amigo pesado que jamás querrás padecer, pero con el que te partes de la risa desde la distancia. ‘Shoot Em Up (En el punto de mira)’Son muchas las películas de acción que acaban provocando carcajadas por nuestra parte, pero no precisamente porque sea algo que busquen conseguir. Eso cambia en el caso de la desternillante 'Shoot 'Em Up' (Michael Davis, 2007), donde se incurren en todos los excesos imaginables, pero con la única finalidad de que el espectador se divierta. Para ello resultan decisivos los abundantes y potentes one-liners reservados para el personaje interpretado por Clive Owen, pero también hay infinidad de ocasiones que no es que sea imposible tomárselas en serio, pues sencillamente están ideadas al detalle con un sentimiento lúdico festivo que se contagia al espectador, o al menos a aquellos dispuestos a pasárselo bien. Críticas en Blogdecine: ‘Tristram Shandy: A Cock and Bull Story’Nunca he sido un gran seguidor del caos en ninguna de sus formas, pero, junto a experimental, caótica es la palabra que mejor se ajusta para definir 'Tristram Shandy: A Cock and Bull Story' (2005), la frenética, alocada y divertida comedia con la que Michael Winterbottom nos demostró que es uno de los realizadores más eclécticos de nuestro tiempo. Protagonizada por unos pletóricos Steve Coogan y Rob Brydon dando vida a una versión ficcionada de sí mismos que reaparecería años después en ‘The Trip’ (Michael Winterbottom, 2010), estamos ante una obra que mezcla elementos de cine dentro del cine —con una cantidad de capas casi inabordable y con multitud de apariciones especiales—, la adaptación parcial de una novela que, con razón, se consideraba infilmable y una libertad total a la hora de intentar provocar la carcajada en el espectador. Y lo consigue. Crítica en Blogdecine: ‘Tucker & Dale contra el mal’Ganadora del premio a mejor película en la sección Parorama del Festival de Sitges, 'Tucker & Dale contra el mal' ('Tucker & Dale vs Evil', Eli Craig, 2010) es una estupenda parodia del cine slasher sostenida por los aciertos de su guión y, sobre todo, por el carisma y talento demostrado por el dúo protagonista interpretado por Tyler Labine y Alan Tudyk. El punto de vista resulta decisivo en la película, ya que un grupo de adolescentes les toman por unos peligrosos psicópatas y que los cadáveres vayan acumulándose a su paso de formas increíblemente hilarantes no ayuda a pensar lo contrario. Eso sí, su tramo final no está a la altura, ya que pese a haber aún gags muy efectivos, la chispa cómica decae para poder dar una explicación a todo lo que ha ido sucediendo. ‘Zoolander’Una delirante parodia del mundo de la moda en la que Ben Stiller lo borda dando vida a Derek Zoolander, en especial durante los momentos mirada acero azul. Personajes extravagantes —genial sobre todo Will Ferrell como el pérfido Mugatu—, un guión repleto de situaciones absurdas a las que Stiller sabe sacar casi todo su jugo —justo es reconocer que hay varias bromas que no dan en la diana— y un no parar de simpáticos y efectivos cameos convierten a 'Zoolander' (Ben Stiller, 2001) en una gran comedia siempre y cuando logres sintonizar con su peculiar estilo, que no estamos precisamente ante una obra para todos los gustos, aunque eso sucede con prácticamente todas las comedias aquí incluidas. En Blogdecine | Películas para morirse de risa - 
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| Estrenos de cine | 13 de diciembre | Entre el Hobbit y Fassbender Posted: 13 Dec 2013 03:05 AM PST Seis nuevas propuestas están disponibles este fin de semana en la cartelera española, algo más alegre después de saborear las mejores cifras de taquilla del año. Destacan claramente dos estrenos, la segunda entrega de la trilogía ‘El hobbit’ de Peter Jackson, un espectáculo en 3D para todos los públicos —especialmente niños y frikis—, y la última colaboración entre Steve McQueen y el irresistible Michael Fassbender, una de las películas mejor valoradas del año, candidata a arrasar en la próxima edición de los Oscar. Yo voy a ver las dos pero si tuviera que elegir lo tendría muy fácil… Y si sois tan raros que no os interesan estos dos títulos, sabed que hay más novedades interesantes, echad un vistazo: ‘El hobbit: La desolación de Smaug’Título original: ‘The hobbit: The desolation of Smaug’. Dirección: Peter Jackson. Países: USA y Nueva Zelanda. Año: 2013. Duración: 161 min. Género: Aventuras, fantástico. Reparto: Martin Freeman (Bilbo Bolsón), Ian McKellen (Gandalf el Gris), Cate Blanchett (Galadriel), Richard Armitage (Thorin, Escudo de Roble), Andy Serkis (Gollum), Luke Evans (Bardo), Lee Pace (Thranduil), Orlando Bloom (Legolas), Evangeline Lilly (Tauriel), Stephen Fry (gobernador de Ciudad del Lago), Mikael Persbrandt (Beorn). Guion: Peter Jackson, Guillermo del Toro, Philippa Boyens y Fran Walsh, basado en el libro de J.R.R. Tolkien. Producción: Peter Jackson, Carolynne Cunningham, Zane Weiner y Fran Walsh. Música: Howard Shore. Fotografía: Andrew Lesnie. Montaje: Jabez Olssen. Diseño de producción: Dan Hennah. Vestuario: Bob Buck, Ann Maskrey y Richard Taylor. Distribuidora: Warner Bros. Pictures International España. Calificación por edades: No recomendada para menores de 12 años. Sinopsis: Continúa la aventura de Bilbo Bolsón, junto a Gandalf el Mago y trece Enanos, guiados por Thorin Escudo de Roble, en una misión épica para reivindicar la Montaña Solitaria y el Reino Perdido de los Enanos, Erebor. Tras sobrevivir al inicio de su inesperado viaje, la Compañía se dirige al Este. A lo largo de su viaje se encuentran con el cambia-pieles Beorn y un enjambre de Arañas gigantes en el traicionero Bosque Negro. Tras escapar de los peligrosos Elfos silvanos, los Enanos se dirigen a Ciudad del Lago, y posteriormente a la mismísima Montaña Solitaria. Allí, se enfrentarán al mayor peligro de todos; la criatura más aterradora que existe: el dragón Smaug. ¿Qué podemos esperar? No sufrir mareos por las panorámicas a 48fps y no aburrirnos con la enésima caminata de Gandalf… Crítica en Blogdecine: ‘El Hobbit: La desolación de Smaug’, mejor que la primera ‘12 años de esclavitud’Título original: ‘Twelve Years a Slave’. Dirección: Steve McQueen. Países: USA y Reino Unido. Año: 2013. Duración: 135 min. Género: Biopic, drama. Reparto: Chiwetel Ejiofor (Solomon Northup), Michael Fassbender (Edwin Epps), Benedict Cumberbatch (Ford), Brad Pitt (Bass), Paul Dano (Tibeats), Garret Dillahunt (Armsby), Paul Giamatti (Freeman), Sarah Paulson (Sra. Epps), Scoot McNairy (Brown), Lupita Nyong'o (Patsey), Alfre Woodard (Sra. Shaw). Guion: John Ridley, basado en la autobiografía de Solomon Northup. Producción: Brad Pitt, Dede Gardner, Anthony Katagas, Jeremy Kleiner, Bill Pohlad, Arnon Milchan y Steve McQueen. Música: Hans Zimmer. Fotografía: Sean Bobbit. Montaje: Joe Walker. Diseño de producción: Adam Stockhausen. Vestuario: Patricia Norris. Distribuidora: DeAPlaneta. Calificación por edades: No recomendada para menores de 16 años. Sinopsis: Dos décadas antes de la Guerra Civil estadounidense, Solomon Northup, un hombre libre de raza negra que vivía en el estado de Nueva York, fue secuestrado y vendido como esclavo. En los años siguientes, en los que conoció la crueldad (personificada por un despiadado propietario de esclavos) y también la amabilidad en momentos inesperados, Solomon luchó no sólo por conservar su vida, sino también su dignidad. Pero en el duodécimo año de su suplicio, un encuentro casual con un abolicionista canadiense cambió su vida para siempre. ¿Qué podemos esperar? Una de las diez mejores películas del año. Si no, una profunda decepción. Crítica en Blogdecine: ‘12 años de esclavitud’, historia particular de una infamia ‘Diana’Dirección: Oliver Hirschbiegel. Países: Reino Unido, Francia, USA y Suecia. Año: 2013. Duración: 113 min. Género: Biopic, drama, romance. Reparto: Naomi Watts (princesa Diana), Cas Anvar (Dodi Fayed), Naveen Andrews (Dr. Hasnat Khan), Geraldine James (Oonagh Toffolo), Douglas Hodge (Paul Burrell), Juliet Stevenson (Simone Simmons), Charles Edwards (Patrick Jephson). Guion: Stephen Jeffreys. Producción: Robert Bernstein y Douglas Rae. Fotografía: Rainer Klausmann. Montaje: Hans Funck. Diseño de producción: Kave Quinn. Vestuario: Julian Day. Distribuidora: eOne Films Spain. Calificación por edades: Apta para todos los públicos. Sinopsis: La película relata los dos últimos años de existencia de la princesa de Gales. Cuando Diana voló a Pakistán en Mayo de 1997, fue a conocer a la familia del Dr. Hasnat Khan, el hombre con el que quería casarse. Una de las mujeres más famosas y bellas del mundo, esperaba persuadir a la madre del Dr. Khan haciéndole ver que sería la esposa adecuada para su hijo. De haber tenido éxito, los acontecimientos de aquel verano podrían haber sido muy distintos…. ¿Qué podemos esperar? El lucimiento de una excelente actriz y poco más. Yo con eso me doy por satisfecho. ‘Lore’Dirección: Cate Shortland. Países: Alemania, Australia y Reino Unido. Año: 2012. Duración: 109 min. Género: Drama, bélico. Reparto: Saskia Rosendahl (Lore), Nele Trebs (Liesel), Mike Weidner, Ursina Lardi, Hans-Jocken Wagner (Vati), André Frid (Gunter), Mika Seidel (Júrgen), Kai Malina (Thomas). Guion: Cate Shortland y Robin Mukherjee, basado en la novela ‘The dark room’, de Rachel Seiffert. Producción: Benny Drechsel, Karsten Stöter, Liz Watts y Paul Welsh. Música: Max Richter. Fotografía: Adam Arkapaw. Montaje: Veronika Jenet. Diseño de producción: Silke Fischer. Vestuario: Stefanie Biecker. Distribuidora: Karma Films. Sinopsis: Alemania, 1945. La guerra ha terminado. Un grupo de niños se propone atravesar el devastado país para reunirse con su abuela. Lore, la mayor, queda a cargo de sus cuatro hermanos cuando sus padres, miembros de las SS, son capturados por las tropas aliadas. Todos juntos emprenderán un viaje que les mostrará la realidad y las consecuencias de las acciones de sus padres. Pero cuando conoce al enigmático y carismático Thomas, un joven refugiado judío, Lore ve cómo su mundo se llena de sentimientos contradictorios. Por un lado queda paralizada por el miedo que siente hacia este joven pero, por otro, debe confiar para sobrevivir, en la persona que, tal y como le han enseñado, es el enemigo. ¿Qué podemos esperar? Historia interesante, premios y estupendas críticas. Solo podemos esperar buen cine europeo. ‘Free birds (Vaya pavos)’Título original: ‘Free birds’. Dirección: Jimmy Hayward. País: USA. Año: 2013. Duración: 91 min. Género: Comedia, aventuras, familiar. Doblaje original: Woody Harrelson, Owen Wilson, Amy Poehler, Keith David, Dan Fogler, Colm Meaney. Guion: Jimmy Hayward y Scott Mosier; basado en un argumento de David I. Stern y John J. Strauss. Producción: Scott Mosier. Música: Dominic Lewis. Montaje: John Venzon. Diseño de producción: Mark Whiting. Distribuidora: Tripictures. Calificación por edades: Apta para todos los públicos. Sinopsis: Jake (voz de Woody Harrelson) y Reggie (voz de Owen Wilson), dos pavos que han llevado vidas muy distintas, tendrán que resolver sus diferencias y trabajar juntos para viajar al pasado y eliminar el pavo del menú de Acción de Gracias. ¿Qué podemos esperar? Un divertimento para todos los públicos. El tráiler me ha hecho reír aunque en algún momento también me ha recordado a la estupidez de ‘Turbo’ (David Soren, 2013)… ‘Guadalquivir’Dirección: Joaquín Gutiérrez Acha. País: España. Año: 2012. Duración: 88 min. Género: Documental. Guion: Fernando López-Mirones. Producción: José María Morales. Música: José Manuel García-Pelayo y Mané Larregla. Fotografía: Joaquín Gutiérrez Acha. Montaje: Joaquín Gutiérrez Acha y Roberto Aguilar. Distribuidora: Wanda Visión. Calificación por edades: Apta para todos los públicos. Sinopsis: Documental con el que entraremos en los bosques de una de las masas forestales más importantes de Europa: las Sierras de Cazorla, Segura y Las Villas. Aquí nace el Guadalquivir, y comienza la historia del protagonista: el zorro. ¿Qué podemos esperar? Que haya suerte y la proyecten en un cine de nuestra localidad. Debe ser una gozada ver estas imágenes en pantalla grande… - 
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| 'Calvary', tráiler de lo nuevo de John Michael McDonagh Posted: 12 Dec 2013 04:34 PM PST Aquí os dejo el interesante tráiler de ‘Calvary’ (2014), el segundo trabajo de John Michael McDonagh tras debutar con la muy recomendable ‘El irlandés’ (‘The Guard’, 2011). Brendan Gleeson vuelve a interpretar al protagonista, esta vez un sacerdote, un hombre pacífico, que tras ser amenazado de muerte durante una confesión debe afrontar las oscuras fuerzas que le rodean… Suena muy bien y el avance deja con ganas de ver qué ocurre. ‘Calvary’ se presentará en el festival de Sundance y se estrenará el 11 de abril en Reino Unido. De momento no hay fecha para su llegada a España y teniendo en cuenta lo que ocurrió con ‘El irlandés’, conviene tener paciencia. Chris O´Dowd, Kelly Reilly, Aidan Gillen —más activo en cine gracias al éxito de ‘Juego de tronos’ (‘Game of Thrones’, varios, 2011-2013)—, Dylan Moran, Marie-Joseé Croze, Isaach de Bankolé y Domhnall Gleeson completan el reparto de la nueva película de McDonagh, que como sabréis es hermano de Martin McDonagh, otro aficionado a las historias criminales cargadas de humor negro —suyas son las estupendas ‘Escondidos en Brujas’ (‘In Bruges’, 2008) y ‘Siete psicópatas’ (‘Seven Psychopaths’, 2012)—. - 
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| 'Moonrise Kingdom', de repente, el último verano Posted: 12 Dec 2013 02:45 PM PST
No escribí en su momento una crítica de ‘Moonrise Kingdom’ (id, 2012) por, al menos, dos motivos de peso. El primero es que la unanimidad crítica me resultaba incomprensible, más incluso que los acérrimos e incondicionales seguidores del director de la película, Wes Anderson. Entre sus vindicadores se contaban Mikel y Caviaro. El segundo es porque mi escepticismo iba a ser leído como nota discordante antes que como una valoración, y bien me parecía que las peculiaridades de la película merecían un reposo y también una reconsideración. Bien, revisitada la película mantengo intacto mi escepticismo pero concedo que estamos ante la película más interesante de su director desde, al menos, ‘Academia Rushmore’ (Rushmore, 1998), ya que esta es la única que presenta el suficiente número de virtudes como para hacer necesaria su apreciación. Rodada exquisitamente 16 milímetros por el colaborador habitual de Anderson, Robert Yeoman, esta historia de amor tiene una gran diferencia con los anteriores viajes excéntricos de Anderson, que además de girar alrededor del mismo tema – la inmadurez o estancamiento – presentaban una cierta pobreza estilística, al estar basadas todas en una circularidad y repetición (temáticas y visuales) que dejaban de ser graciosas más allá de puntuales destellos técnicos – que apenas significan nada. Es curioso pero tanto ‘Los Tenenbaum: Una família de genios’ (The Royal Tenenbaum, 2001) como la citada ‘Life Aquatic’ carecían de lo que para mi era más interesante de ‘Academia Rushmore’: el relato de mentiras y empatía surgidos entre un chico avergonzado por su clase social, incapaz de llevar una vida estudiantil normal y un millonario amargado, solitario y mujeriego, marginado en su propia família. Llamativamente, los mundos de Anderson han renunciado más a llenarse de experiencia humana o de descripción de algún tipo de conflicto social, y se han hecho más pendientes de tecnicismos ya sean diseños de producción altamente cuidados, grandes y variadas referencias cinematográficas de todo tipo (desde el cine indio pasando por Orson Welles) disfrazadas de humor excéntrico….Pero, en mi opinión, había perdido lo que hizo de su segunda película algo realmente memorable y que no hace más que ganar con el tiempo: un retrato de personajes heridos por la vida y unidos por el amor de una misma mujer (Olivia Williams). Escrita por Anderson y Roman Coppola, esta peripecia juvenil suple la tendencia de Anderson a navegar por mundos cada vez más solipsistas e inhumanos – sus personajes se expresan de un modo reiterativo, y al estar bañados en excentricidad, justifican su carácter bidimensional – con la época: aquí todos los clásicos momentos musicales de Anderson están justificados por el período, lo que se revela todo un hallazgo. Así, ya sea el disco importado de François Hardy o las canciones de Benjamin Britten que conducen el relato o los ficticios libros, homenaje a los de su tiempo, que lee la heroína no son percibido como otro elemento más del decorado andersoniano, aún siéndolo, sino también como un perfecto (y deliberado) modo de evocar el tiempo en la isla. Además, la película termina con el final feliz, perfecto e ideal, en el que los amigos ayudan a los héroes cuando está en peligro y la figura paterna ausente aparece justo a tiempo. Esto y la manía de su director por repetir los mismos chistes (la misma y obsesiva manera de los protagonistas por expresarse en cartas, el mismo gag visual de presentar todo tipo de infantes o adultos acompañados siempre de un segundo al mando..¿de verdad ese es todo el ingenio?) suponen fallas notables al conjunto de la película. Donde vuela Anderson libre es la intimidad. Ya sea el baile de los protagonistas, donde el descubrimiento de la sexualidad se hace a través de la cercanía de dos besos y de como en ese aprendizaje percibimos cosas que ni siquiera ellos logran alcanzar, ya sea la distancia que hay entre el personaje del sheriff y el que será su hijo adoptado, la de quien comprende que el amor es una buena idea sobretodo cuando uno es joven, porque está mejor ser insensato y porque tal vez ese sea el requerimiento primero del amor y sea la niñez el único momento donde además de requerida, la insensatez sea necesaria y hasta buena. En esos detalles, de una sensibilidad bella y contagiosa, la película se eleva también con un reparto de actores en perfecto estado de gracia – quiero destacar la recuperación del Bruce Willis tragicómico, al fin – y junto al delicioso aspecto visual, acompañado de las habituales coreografías de Anderson (aquí sus travellings laterales se acompañan de algo de descocada cámara al hombro), hacen de esta película una pequeña e imperfecta joya, un buen viaje al primer amor, un último verano inolvidable pero sin que al final pese (del todo) la nostalgia. - 
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| 'Bienvenido a casa', problemas domésticos Posted: 12 Dec 2013 09:45 AM PST
“El amor nace de la costumbre“ dice uno de los personajes de esta película y habría que entender que ‘Bienvenido a casa’ (id, 2006) es una película donde la costumbre de su director y guionista, David Trueba, de admirar y trabajar con Rafael Azcona le ha pasado una mala factura, aunque se aprecie que lo hace de corazón y que resulta fácil apreciar las intenciones de aunar comedia coral con relato íntimo y privado, con retazos de buena escritura perdidos en un guión disperso. El típico estilo de Azcona está aquí actualizado en forma de comedia romántica sobre la llegada a la madurez – un tema al que no ha sido ajeno Trueba desde su primera película como director ‘La buena vida’ (id, 1996) – y la reproducción de Trueba, que incluye una fanfarrona galería de personajes secundarios definidos por la excentricidad y hasta por una versión esperpéntica de la ideología, no parecen casar demasiado en una España democrática y precrisis como en la que se ambienta el relato, así que Trueba añade toques e influencias ya presentes desde su primera película, y no es extraño ver en el personaje de Alejo Sauras un eco del Antoine Doinel maduro de ‘Domicilio conyugal’ (Domicile Conyugal, 1970) de François Truffaut. Tiene el inglés una palabra exacta para definir lo que sucede al relato de Trueba, pese a que a veces sea ocasionalmente ameno e incluso apreciable, y esa palabra es overwritten. Sus personajes sueltan aforismos memorables todo el tiempo, pero carece del tempo, algo que su maestro rara vez ignoró: velocidad en los diálogos y en las acciones, nunca sucesión de ingenios que hubieran funcionado de modo mejor como palabra escrita. La complicidad de los actores juega a favor, destacando un soberbio Jorge Sanz, torrente cómico que aquí encuentra un papel que bien merecería aventura en solitario, el del canalla e impresentable periodista de deportes incapaz de comprometerse con las mujeres y que proporciona las mejores risas del relato. Es memorable su truco para pedir perdón a las mujeres Al mismo tiempo, el guión contiene puntuales hallazgos que no conviene desdeñar, como que el arco dramático del protagonista se resuelva con una doble paternidad, y que la llegada a la responsabilidad suceda a través de la toma de conciencia con una desgracia, hacen que la película, al menos, termine con una sonrisa. Así pues, película-ensayo y película-fallida, pero también con algunos pequeños encantos. - 
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