Trailers y Estrenos |
- 'Interstellar' de Christopher Nolan, teaser tráiler
- '12 años de esclavitud', o la libertad de los hombres
- 'El Hobbit: La desolación de Smaug', ¡deberían haber sido dos!
- Cinco novelas negras españolas que merecen adaptación
- Emilia Clarke será la nueva Sarah Connor en el reboot de 'Terminator'
- 'The Legend of Hercules', tráiler final
- 'The Amazing Spider-Man' expande su universo, habrá spin-offs de sus villanos
- Añorando estrenos: 'La primera noche de la quietud' de Valerio Zurlini
| 'Interstellar' de Christopher Nolan, teaser tráiler Posted: 14 Dec 2013 08:59 AM PST
Soy muy partidario de apostar por un Nolan menos profundo, más aventurero y más ligero que sus partidarios, que le están endosando una categoría extrañísima de autor/genio/visionario que no sirve para nada y además, está muy lejos de sus pretensiones, estrictamente comerciales. Tampoco me parece que no exista en el Hollywood comercial (el de JJ Abrams, Drew Goddard, etc.) material suficiente para producir entretenimiento como para tratarlo de anomalía. Recordad que el proyecto parte de las investigaciones de Kip Thorne en lo que iba a ser un proyecto para el mismísimo Steven Spielberg. El guión lo firman Nolan y su hermano Jonathan Nolan y que además, repite Emma Thomas en labores de producción, Hans Zimmer en música y hay un nuevo colaborador en fotografía, Hoyte Von Hoytema toma las riendas de un Wally Pfister que esta ultimando su debut con la venidera ‘Trascendence’ (id, 2014). En fin, todos al unísono: “Our greatest accomplishments cannot be behind us, because our destiny lies above us”. O bien “nuestros mayores logros no pueden estar detrás nuestro, porque nuestro destino está por encima de nosotros”. - 
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| '12 años de esclavitud', o la libertad de los hombres Posted: 14 Dec 2013 04:02 AM PST Paris. 10 de diciembre. Presentación y primer pase en Francia de ‘12 años de esclavitud’ (‘12 Years a Slave’, Steve Mcqueen) en un cine céntrico de la ciudad. Hay muchas expectativas y yo, como siempre, me siento en la primera fila para que sólo seamos la pantalla y yo. Aparece el distribuidor francés de la película: “Je suis désolé, pero Steve McQueen no ha podido venir, pero al final de la proyección contestaré a vuestras preguntas y habrá una petite surprise”. Lástima, me habría gustado escuchar al que es ya uno de los directores del año hablar sobre su película. Se apagan las luces, empieza. Termina la película. Empiezan a aparecer los títulos de crédito y hay un silencio sepulcral en la sala. El público está emocionado, yo también. Los menos tímidos empiezan a aplaudir y poco a poco, un par de aplausos se convierten en ovación. Vuelve a aparecer el distribuidor y dice que quiere llamar al escenario a alguien muy especial que acaba de llegar de Estados Unidos. Chiwatel Efiojor y Lupita Nyogo’o bajan entre el público al que acabn de dejar destrozados con sus personajes hace un momento. Segunda ovación y público en pie. ‘Soy un hombre libre’ La escena de arriba es sólo un ejemplo más de cómo, el tercer largometraje de Steve McQueen es, sin duda alguna, una de las películas del año. El realizador se enfrenta aquí a su película más ambiciosa y no sólo a nivel de producción, si no también por la historia que cuenta: la aterradora experiencia de un hombre que perdió su libertad. Tras moverse por círculos más independientes con ‘Hunger’ (id, 2008) y ‘Shame’ (id, 2012) —fantásticas y muy alabadas por la crítica—, McQueen se atreve con algo más mainstream pero sin perder en ningún momento ni ápice de su estilo, fuerza y crudeza. La película —que ayer conseguía siete nominaciones a los Globos de Oro incluyendo mejor película, dirección, mejor actor protagonista y mejores actores de reparto— nos traslada a los años previos a la Guerra Civil de Estados Unidos. Solomon Northup, un hombre negro libre que vive en Nueva York con su familia, es secuestrado y vendido como esclavo. Desde eso momento, Solomon deberá luchar por sobrevivir y por preservar su dignidad frente a la crueldad de su amo.
El sonido y la música potente de Hans Zimmer, no hacen más que cerrar el círculo poderoso de ese gran drama estadounidense que completa un reparto no menos portentoso. Su protagonista —y el gran portento de la película—, el británico Chiwetel Ejiofor, que no necesita hablar para hacer estremecer a la audiencia con su mirada desesperada luchando por mantener su dignidad. Junto a él, un terrorífico Michael Fassbender como dueño, maltratador, creíble y espeluznante. Pero no hay que olvidar el fantástico debut en el cine de Lupita Nyogo’o, interpretando a la esclava convertida en objeto de deseo de su dueño o la canción entonada por Paul Dano a un grupo de nuevos esclavos y la doble moral del personaje de Benedict Cumberbatch. Un reparto excepcional para contar una historia no menos excepcional que forma parte de la Historia —así con mayúsculas— de un país que presume de tener un presidente del gobierno negro, pero que todavía necesita que se les recuerde de vez en cuando lo que significa ser libre y en definitiva, un ser humano. - 
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| 'El Hobbit: La desolación de Smaug', ¡deberían haber sido dos! Posted: 14 Dec 2013 02:12 AM PST Muy respetable es la opinión de mi compañero Mikel al afirmar en su crítica de ‘El Hobbit: La desolación de Smaug’ (‘The Hobbit: The Desolation of Smaug’, Peter Jackson, 2013) que estamos ante un filme superior a la primera entrega de esta nueva trilogía en la que el cineasta neozelandés se encuentra inmerso. Así que, si sois de los que opináis como él, podéis ahorraros la lectura del texto que sigue ya que a mi humilde parecer, no sólo estamos ante un filme inferior a ‘El Hobbit: Un viaje inesperado’ (‘The Hobbit: An Unexpected Journey’, Peter Jackson, 2012) sino que tenemos aquí la evidencia más clara de lo que de forma vehemente he querido expresar en el titular: NUNCA debería haberse permitido que los planes iniciales de dos filmes terminaran por convertirse en una terna de producciones. No cuando, como pasa en esta segunda parte llamada a reventar taquillas antes de que finalice el año, nos encontramos ante un metraje con desproporcionados problemas en su tramo final, un tercer acto aburrido —¡sí, aburrido!— cuya media hora es una auténtica prueba de fuego para los espectadores, máxime si, como es el caso, uno sabe cómo se desarrolla la historia original en la novela de Tolkien y tiene que asistir impávido a material de relleno metido con calzador para justificar la presencia de ciertos personajes de los que ahora hablaremos y, sobre todo, aumentar la permanencia en pantalla del personaje estrella de la cinta, un dragón rojo llamado Smaug. (Pequeños spoilers diseminados aquí y allá) Antes de que la película se vaya al traste, y Jackson, Philippa Boyens y Fran Walsh estiren como el chicle lo inestirable, esta segunda parte de ‘El Hobbit…’ se plantea como una particular imagen especular de la estructura que veíamos en la primera, y lejos de tomarse el prolongado tiempo que tomaba prestado aquélla para presentarnos a los personajes y arrancar la acción, ‘La desolación de Smaug’ va directa al grano tras un brevísimo prólogo que nos devuelve momentáneamente a Bree, fijando su atención en la “compañía” de enanos, hobbit y mago mientras son perseguidos por Azog, el orco albino de la primera entrega, y su viaje les acerca al Bosque Negro. Y ya que estamos hablando del Bosque Negro y de lo que allí acaece con arañas y elfos, podría aventurar que, de haberse mantenido la intención primera de que la adaptación no hubiera ocupado más de dos filmes, sería en esta localización donde debería haber finalizado la primera parte de ‘El Hobbit’, dejando a los enanos en manos de los elfos antes de encarar una segunda entrega en la que se nos hubiera narrado el encuentro con Smaug y, por supuesto, esa esperadísima batalla de los cinco ejércitos que, sin duda alguna, ocupara una sustanciosa parte de ‘Partida y regreso’ (‘The Hobbit: There and Back Again’, Peter Jackson, 2014), el título llamado a servir como epitafio ¿definitivo? a la presencia del universo Tolkiniano en la gran pantalla. De haber sido así, quizás, sólo quizás, Jackson y sus dos compañeras en las labores del guión, podrían haberse ahorrado la recuperación de Legolas —un Orlando Bloom al que el paso de los años no parece haber redundando en beneficio de sus limitadas capacidades interpretativas—, la incorporación de esa Tauriel interpretada por Evangeline Lilly que vuelve a convertirse, como ya pasara con Arwen, en forzado interés romántico del guión —mucho más que en la trilogía anterior— o todo lo que transcurre en Ciudad del Lago, cuya introducción supone el necesario descenso de ritmo de comienzos del tercer acto tras el espectáculo non-stop que han sido el primero y el segundo, mereciendo atención especial entre estos la magnífica secuencia de los toneles, en la que Jackson vuelve a demostrar su indiscutible talento para orquestar asombrosas secuencias de acción como las que ya pudiéramos ver en cualquiera de las cintas anteriores. Caso aparte, por lo correcto de su planteamiento, es el personaje de Bardo, cuyo amplio desarrollo aquí queda plenamente justificado si se conoce su fundamental protagonismo de cara a acontecimientos que veremos el año próximo que, en términos de narrativa cinematográfica, requerían de un mayor desarrollo que el que Tolkien le daba en la novela. Bien es sabido que, y es algo que me canso de afirmar cuando los puristas más recalcitrantes de los textos objetos de adaptación se rasgan las vestiduras por los cambios introducidos, “medios diferentes requieren de necesidades diferentes” y en el personaje encarnado con desigual efectividad por Luke Evans, encontramos uno de los ejemplos más claros que el filme ofrece desde un punto de vista positivo. Junto a él, cabrían citar, también en la parte apreciable de ‘La desolación de Smaug’, el intento por dotar de mayor protagonismo a cada uno de los enanos —harina de otro costal es aquello a lo que recurren para conseguirlo— y, por supuesto, las pesquisas que llevan a Gandalg a Dol Guldur y todo lo que allí se desarrolla en relación al Nigromante, siendo las secuencias protagonizadas por un siempre espléndido Ian McKellen, las que mejor sirven al cinéfilo para reencontrarse con lo que era norma en la trilogía de ‘El señor de los anillos’. Desafortunadamente, todo lo que pudiera aportarse de cara a defender las decisiones tomadas en aras de justificar que, como medio fílmico, esta segunda entrega de ‘El Hobbit’ no podía plantearse ser un calco del libro, queda reducido a cenizas por el continuo acoso y derribo al que es sometido el metraje en su tercer acto. Para empezar, el querer heredar las fórmulas de acciones paralelas que tan bien le habían funcionado en los clímax de cualquiera de los títulos que pudimos ver entre 2001 y 2003, obliga a Jackson a alternar lo que ocurre en Erebor con aquello que tiene lugar en Ciudad del Lago. Y si lo que aquí acaece tiene poco o nulo interés —y puede llegar a resultar ridículo hasta el desespero— es doloroso que, al adentrarse en los dominios de Smaug, sea cuando la proyección toque fondo…y de qué manera. Aquejando esa grave enfermedad que podríamos denominar como “el síndrome del nivel de videojuegos”, y trascendida la sorpresa inicial de la aparición de un dragón de cuyo diseño esperaba bastante más —me sigo quedando de lejos con el Vermithrax de ‘El dragón del lago de fuego’ (‘Dragonslayer’, Matthew Robbins, 1981)—, lo que el espectador tiene que soportar hasta la agridulce conclusión es un no parar de entornos digitales, encuadres imposibles y persecuciones planteadas de forma irregular que sólo sirven para lucir una y otra vez el 3D —por cierto, breve inciso, el HDR a 48 FPS tiene muchos más momentos a lo “Benny Hill” que el filme anterior, avisados quedan— pero están tan vacías de contenido y sustancia que resulta complicado encontrarles fundamento más allá del que se deriva del claro carácter de mera jugada comercial que es esta nueva trilogía. No seamos inocentes, vale que cualquier filme es un negocio destinado a recaudar cuanto más dinero mejor. Pero allí donde la terna que componía ‘El señor de los anillos’ destilaba cariño y mimo por los cuatro costados, las dos partes que hemos podido ver de ‘El Hobbit’ exudan a intervalos todo lo contrario; y por más que su magnífico diseño de producción, el espléndido trabajo de Martin Freeman y Richard Armitage o lo que podemos atisbar contados momentos —una auténtica lástima no poder citar entre ellos a ninguno que tenga que ver con la inane partitura de Howard Shore— nos lleven de nuevo de forma inequívoca a la Tierra Media, el viaje que a ella efectuamos hace más de una década es ya, a todas luces, un hecho irrepetible, un hito que perdurará en nuestra memoria cinéfila mucho más que las incontables memeces y cuestionables decisiones que han terminado cuajando en este trío a completar a finales de 2014, cuya conclusión, sinceramente, se antoja poco satisfactoria. Quieran los hados que me equivoque. - 
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| Cinco novelas negras españolas que merecen adaptación Posted: 14 Dec 2013 12:23 AM PST
1) La aventura del tocador de señoras de Eduardo Mendoza. El Libro: Además de ser justamente popular, Eduardo Mendoza es uno de los mejores escritores de literatura de este país que también ha sido adaptado, pero con ninguna fortuna. Ya existe una adaptación de la primera aventura del Detective sin Nombre, pero esta tercera novela es, quizás, la mejor de todas y la que propone una aventura con más peripecias para que los lectores no iniciados descubran al investigador patoso más gracioso de toda Cataluña (y nuestra literatura) y también una dura y ácida crítica social, urbana y económica a la Barcelona post-Olímpica, forjada en unos (pantanosos) sueños burgueses. Además, el humor de Mendoza, inconfundible. Uno de sus fantoches suelta perlas como “Vi once veces Siete novias para siete hermanos. Esta película representaba y aún ahora representa en mi imaginación el ideal que siempre he soñado para Cataluña”. Quién debería hacerla: ¿Cómo no pensar en Javier Fesser o en un esquinado Álex de la Iglesia para esta película? Incluso Oscar Aibar sería perfecto. O una versión hiper-vitaminada de Javier Ruiz Caldera. El detective sin nombre es un personaje que, además, debería tener el rostro de un comediante nato, sea Joaquín Reyes o sea Julián López, alguien que inspire ternura, patetismo y grandeza a partes iguales. El Libro: El ordenador de una vicepresidenta es hackeado. Un joven y solitario hacker, por su cuenta, empieza a encontrar peligrosas revelaciones sobre el actual destino de España. Un abogado le ayuda. Al mismo tiempo, la vicepresidenta se enfrenta a una semana crucial para el gobierno de su país. En este poderosísimo thriller, tenemos absoluta y completamente todo: publicado y escrito antes del escándalo Snowden y con la crisis de confianza democrática en el gobierno como centro temático, es un triste y a ratos lírico relato de intriga que contiene una no menos desoladora historia de amor. Además, frases tan contundentes, dolorosas y tremendas como estas: “Ellos, los enemigos, han construido durante años bancos, fortunas, edificios, tribunales, relaciones, armas, leyes, tendidos de cables. Una información divulgada a tiempo con la tecnología adecuada puede destruir alguna de esas relaciones, quizá alguna de esas fortunas… Cuando no hay lucha, ¿hay vida? Otros contestarían que sí, pero tú te rebelarías”. Quién debería adaptarla: Solamente Rodrigo Cortés, con una primera y enérgica película y una demostración constante de ritmo trepidante, podría llevar a buen puerto una adaptación en una clave más dinámica. Pero Eugenio Mira, alguien capaz para los registros íntimos como para los más trepidantes, sería el nombre perfecto (y el más inesperado) para este tipo de proyecto.
Quién debería adaptarla: Está claro que Alberto Rodríguez parece un nombre natural para filmar una pieza de época, cambiando su Sevilla natal por una Barcelona del todo excitante. Además, él y su guionista habitual, Rafael Cobos, podrían sacar partido. Está claro que en la novela negra española, Barcelona ha sido una fuente creativa tan excitante como inacabable. Aunque esta novela fue adaptada en 1992, me niego a considerar tal adaptación como válida, además, el cásting de Juan Luis Galiardo, un actor demasiado galán y elegante para el detective Carvalho me parece un error. Otra buena razón es que Los mares del sur es la mejor de las novelas del ciclo de su detective, con el misterio mejor trazado y el más interesante.
El Libro: El detective homosexual Arturo Zarco se va de vacaciones, con el corazón algo roto, buscando amparo en su vieja amiga Marina Frankel. Pronto descubrirá una trama familiar en su conocida que oculta muchos y bastante perturbadores secretos. Esta es la segunda entrega de uno de mis investigadores favoritos, y solamente por su mezcla rarísima de jueguecito literario bueno (se trata de un cuento de hadas neogótico ¡en ciudad de vacaciones!) e historia detectivesca ya merece la pena. Introducido en Black, black, black, aquí el género alcanza una de sus muestras más apreciables: la de absoluta e irreprochable rareza. Quién debería adaptarla: Evidentemente, este Pedro Almodóvar tardío y libérrimo es una opción para los más soñadores, pero una adaptación desenfadada de Daniel Sánchez Arévalo, que en su primera película demostró tener un cierto dominio para relaciones familiares un pelín complicadas, tampoco estaría nada mal. El Libro: Los inspectores de la Guardia Civil, Bevilacqua y la cabo Chamorro parten hacia las Canarias para resolver un misterio que pronto se llena de amores prohibidos y secretos no demasiado agradables de oír. Confieso que estos dos guardias civiles me funcionan mejor en distancias más cortas que en grandes novelas, pero de toda su serie, el caso más interesante, tras la ya adaptada El alquimista impaciente, es éste que nos ocupa, con un escenario nada habitual en el género. Quién debería adaptarla: Aunque ya hay una apreciable adaptación del ‘Alquimista Impaciente’, (id, 2002), sería deseable e incluso algo inesperado que Enrique Urbizu agarrara a estos dos personajes y les diera una versión definitiva y hasta canónica que, creo yo, debido a su popularidad y su tendencia a repartirse casos por la geografía española merecen. - 
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| Emilia Clarke será la nueva Sarah Connor en el reboot de 'Terminator' Posted: 13 Dec 2013 11:36 PM PST El proyecto de rodar una nueva entrega de la franquicia ‘Terminator‘ lleva ya un tiempo deambulando por Hollywood, pero ha sido durante las últimas semanas cuando se han hecho importantes avances para que realmente salga adelante. El primero fue la contratación de Alan Taylor —’Thor: El mundo oscuro‘ (‘Thor: The Dark World’, 2013)— para dirigirla y ahora acaba de anunciarse que Emilia Clarke va a ser la sustituta de Linda Hamilton dando vida a la ya mítica Sarah Connor. Principalmente conocida por interpretar a Daenerys en la televisiva ‘Juego de Tronos‘ (‘Game of Thrones’, Varios, 2011-En emisión), la experiencia cinematográfica de Clarke hasta la fecha es bastante reducida. ¿Habrá pesado algo en su elección —su gran rival para el papel fue Brie Larson, la hermana de Joseph Gordon-Levitt en ‘Don Jon‘ (2013)— el hecho de haber trabajado anteriormente con Taylor en ‘Juego de Tronos’? Nunca lo sabremos con certeza, pero es imposible creerse que sus productores no lo hayan considerado. Sobre el argumento de la película poco ha trascendido hasta el momento, pero sí se sabe que habrá al menos un viaje en el tiempo al futuro, un detalle que encaja perfectamente en las negociaciones ya iniciadas para que Jason Clarke interprete a John Connor. Menuda coincidencia que su apellido también coincida en la vida real con el de su posible madre en la ficción, pero lo cierto es que no existe parentesco alguno entre ellos. Además, también está garantizada la presencia de Arnold Schwarzenegger, aunque habrá que ver si tiene un papel sustancioso o su aparición no es más que un simple cameo de lujo. Vía | Hollywood Reporter - 
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| 'The Legend of Hercules', tráiler final Posted: 13 Dec 2013 04:51 PM PST Hay películas que cambian repetidas veces de título antes de llegar finalmente a nuestros cines, algunos más afortunados que otros —menuda pifia fue el pasar de ‘La tumba’ a ‘Plan de escape‘ (‘Escape Plan’, Mikael Hafström, 2013)—. A este grupo ha acabado uniéndose ‘The Legend of Hercules‘ (Renny Harlin, 2014), conocida como ‘Hercules: The Legend Begins‘ cuando apareció su primer avance. Ahora ha llegado el momento de ver su tráiler final, el cual promete un derroche de testosterona sin igual y una buena dosis de una épica aparentemente no muy conseguida. Protagonizada por Kellan Lutz —uno de los vampiros gusiluz de ‘La saga Crepusculo’— y dirigida por Renny Harlin —qué lejos quedan ya aquellos tiempos en los que rodó cintas tan estimables como ‘La jungla 2: Alerta roja’ (‘Die Hard II’, 1990) o ‘Máximo riesgo’ (‘Cliffhanger’, 1993)—, ‘The Legend of Hercules’ promete dar un giro bastante peculiar a los acercamientos más habituales a la figura de Hércules. Sólo hay que ver la última escena del avance para tener claro que hay algo diferente, aunque no necesariamente mejor. ‘The Legend of Hercules’ llegará a los cines españoles el próximo 24 de enero, justo dos semanas después de su estreno en Estados Unidos. - 
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| 'The Amazing Spider-Man' expande su universo, habrá spin-offs de sus villanos Posted: 13 Dec 2013 03:49 PM PST Los superhéroes —al menos los que están apoyados por grandes compañías— están dejando mucho dinero en taquilla y los estudios no van a hacer otra cosa que intentar aumentar las ganancias, exprimir el filón al máximo con toda clase de películas y secuelas, hasta que se agote. Ningún problema con el cine de superhéroes, faltaría más, pero están estrenando espectáculos tan parecidos, tan rutinarios, tan cobardes, que la cosa empieza a aburrir —y te miro a ti ‘Thor: El mundo oscuro’ (‘Thor: The Dark World’, Alan Taylor, 2013)—. A la larga lista de proyectos de Marvel se acaba de sumar una colaboración con Sony Pictures para desarrollar dos entregas alternativas de la franquicia de Spider-Man. Sony ha contratado a Alex Kurtzman, Roberto Orci, Jeff Pinkner, Ed Solomon y Drew Goddard para que empiecen a escribir los guiones de los spin-offs de Venom y los Seis Siniestros, en colaboración con Marc Webb, director de ‘The Amazing Spider-Man’ (2012), ‘The Amazing Spider-Man 2’ (2014) y dos secuelas más previstas para 2016 y 2018. Cualquier día anuncian una precuela con la historia de amor entre los tíos de Peter… Vía | ComingSoon - 
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| Añorando estrenos: 'La primera noche de la quietud' de Valerio Zurlini Posted: 13 Dec 2013 02:16 PM PST Hace poco os hablaba en esta misma sección del gran y desconocido director Valerio Zurlini al comentar una de sus obras maestras, ‘Crónica familiar’ (‘Cronaca familiare’, 1962), y hoy volvemos con el que es uno de los mejores directores italianos que han tenido la osadía de atreverse a poner en imágenes determinadas historias. ‘La primera noche de la quietud’ (‘La prima notte di quiete’, Valerio Zurlini, 1972) es otra de sus obras maestras, la que mayor éxito comercial ha tenido, un film protagonizado por un pletórico Alain Delon —para mí en el mejor personaje de toda su carrera, inolvidable es poco—, y que bien podría haber incluido en el ciclo de cine negro, o Film Noir, debido al tono y estructura de la película, por cierto con uno de los títulos más bellos que, en mi opinión, ha tenido jamás una película. Si en la cinta mencionada con Marcello Mastrioanni la presencia de un país dolido y en la miseria estaba patente en la dramática historia de sus protagonistas, en ésta el pasado de esa misma Italia, por la que Zurlini llegó a combatir, está también muy presente. La misma soledad impregna muchas de sus escenas, una patente decadencia que asola sin compasión a su personaje central, con pasado misterioso, una especie de outsider que está de vuelta de todo y se mete de lleno en una nueva historia de amor que le trastocará por dentro, influyendo en todo lo que le rodea, caminando hacia uno de los finales más descorazonadores de los que he sido testigo. No sé si Zurlini lo pasó realmente mal en su vida privada, o es el talento innato de alguien que sabe que para alcanzar la verdad hay que conocer el dolor. En cualquier caso su cine es indispensable, único, a veces inclasificable, pero siempre necesario. (From here to the end, Spoilers) ‘La primera noche de la quietud’ narra la historia de Daniele Dominici (Delon), un profesor de literatura que se instala en Rominí, localidad en la que sustituye un baja del profesor de historia de arte. Allí se enamorará de una joven alumna (Sonia Petrovna) con la que iniciará una muy especial relación en contra de todos los que le rodean, incluido el novio de la chica, en apariencia un hombre peligroso metido en asuntos turbios y aguien a quien todos le tiene miedo. Dominici vive una farsa en su actual matrimonio con una mujer que prácticamente le desprecia (Lea Massari) y sólo se dedica a la enseñanza para poder subsistir en un mundo en el que ha renunciado entre otras cosas a su pasado, de una acomodada familia. Autor de un libro de poemas —el del maravillo título de la película, que es una alusión a la muerte— Dominici encuentra una nueva y buena razón para la existencia en lo que siente por una joven llena de vida, belleza y sobre todo cultura, una especie de alma gemela. Pero también una femme fatale. Porque ‘La primera noche de la quietud’ no es sólo una desoladora visión sobre el amor y el sufrimiento que éste puede producir, es puro cine negro, con ese personaje masculino siempre con una gabardina y pitillo en mano, solitario en pensamientos, desenmarcado de un mundo que ha entendido hace ya tiempo, y en el que sólo puede esperar la muerte. Será una mujer joven la que desencadenará por última vez las ganas casi agónicas de agarrase a algo vivo de verdad antes de sentir el velo final que cae dentro de los ojos, a través de una historia que Zurlini marca pausadamente con una mano no sólo sensible, sino despiadada, tratando poéticamente la cruda realidad, al compás de una trompeta y esos paisajes solitarios de la costa, reflejos de un pasado oculto y doloroso, enfrentados a cierta modernidad como alegoría del cambio de los tiempos. La nostalgia de nuevo en el cine de Zurlini, en forma de puñetazo, quizá la única forma verdadera de conocerla o sentirla. Sobrecogen muchos instantes en esta atrevida cinta de Zurlini que además aprovechó la fama como sex symbol de Alain Delon —en la película hay un par de escenas de sexo subidas de tono, que muy posiblemente contribuyeron a su éxito en una época en la que el cine erótico empezaba a abrirse camino—, quien se marca una de esas imperecederas interpretaciones como hombre culto y sensible ajeno a todo lo que le rodea, alcanzando el cenit de su labor en la impresionante secuencia del pub y en el que suena el por aquel entonces famosísimo tema musical ‘Domani E’ Un Alto Giorno’, interpretado por Ornella Vanoni, de una emotividad casi mortal y en la que Delon da una lección de cómo debe sostenerse un plano fijo mientras en su rostro vemos al mismo tiempo dolor y anhelo, decepción y esperanza, deseo y pensamiento. Sólo por esa secuencia, imitada hasta la saciedad en el cine posterior, ya merecería la pena el visionado de ‘La primera noche de la quietud’, película en la que además quedan reflejados de forma sublime las modas y costumbres imperantes en aquellos años, sobre todo en la juventud. La puesta en escena de Zurlini deslumbra en todo momento, con una iluminación, obra de Diario Di Palma, gélida en esos exteriores tan solitarios, y cálida en los interiores en los que Dominici vivirá sus últimas grandes experiencias enamorado de una joven imposible. Atención al instante de la fiesta, con la cámara, que parece otro personaje, tal vez el espectador, que va y viene recordando en todo momento la situación de cada uno mientras incide con crueldad en la psicología de seres aparentemente vacíos, pero que en cierto instante, un punto de inflexión de una incomodidad sangrante —el novio descubre a la chica con el profesor—, tienen algo que decir. Uno no puede evitar emocionarse cuando el personaje al que da vida un excelente Giancarlo Giannini descubre ante Dominici el poemario que éste escribió años atrás. Una latente homosexualidad —el film no se corta en su visión del sexo, uno de sus puntos fuertes— navega por dicho personaje, y la despedida, entre versos del citado libro, abarca sin complejos el sentimiento de la verdadera amistad, el único instante en el que Zurlini marca una emoción contenida. El desenlace que posee la película es quizá el único posible, lleno de un dramatismo tan feroz como secante. Tras verla quedan los ecos de la sentida trompeta de la banda sonora de Mario Nascimbene, sonando durante días. Recomendación: Cuidado con el montaje de las distintas versiones del film, el bueno es el que dura unos 130 minutos aproximadamente. - 
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No hay nada peor que te quiten la libertad, y eso es lo que nos muestra Steve McQueen sin concesiones a la hora de describir la desesperación de su protagonista en sus intentos de convencer a sus ya amos que él es un hombre libre y no un esclavo. Una desesperación que el realizador narra con un estilo de cámara soberbio, fotografía señorial y con encuadres casi imposibles pero que no hacen más que acentuar el efecto que se quiere causar en el espectador, jugando mucho con el fuera de campo o cortando las figuras —como ya haría en ‘Shame’—. Una producción de Hollywood, sí, y algo lacrimógena, también, pero que muestra un lado mucho menos amable del racismo en la sociedad estadounidense en comparación con ‘El Mayordomo’ (‘The Butler’, Lee Daniels, 2013).
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