Trailers y Estrenos |
- Josh Gad protagonizará y escribirá el salto al cine de 'La isla de Gilligan'
- 'El amanecer del planeta de los simios', tráiler
- 'Nymphomaniac', la película
- Añorando estrenos: 'El compromiso' de Elia Kazan
- Cine en el salón: 'Superdetective en Hollywood II', más acción, más humor...mejor
- 'Blended', tráiler de la nueva comedia de Adam Sandler y Drew Barrymore
- Ari Folman prepara una adaptación animada del diario de Ana Frank
- Antoine Fuqua dirigirá el biopic de Jesse Owens
- Tu butaca define tu personalidad
- 'Gravity', la vida
| Josh Gad protagonizará y escribirá el salto al cine de 'La isla de Gilligan' Posted: 18 Dec 2013 07:07 AM PST Los cómics han acaparado el centro de atención de Hollywood en lo que adaptaciones cinematográficas se refiere durante los últimos años, pero cualquier material de partida sirve para crear una película con la que intentar arrasar en taquilla. La última gran ocurrencia de los ejecutivos ha sido dar luz verde al salto al cine de la televisiva ‘La isla de Gilligan‘ (‘Gilligan’s Island’, Sherwood Schwartz, 1964-1967) con Josh Gad interpretando casi con total seguridad al personaje inmortalizado en su momento por Bob Denver. El propio Gad, a quien tenemos actualmente en cartelera prestando su voz al adorable muñeco de nieve de ‘Frozen, el reino del hielo‘ (‘Frozen’, Chris Buck y Jennifer Lee, 2013), también se encargará de la redacción de un guión para el que contará con la colaboración de Benji Samit y Dan Hernandez, quienes ya habían colaborado con Gad en la televisiva ‘1600 Penn‘ (Varios, 2012-2013). Aún se desconoce la identidad del resto de integrantes del reparto y también quién se encargará de dirigirla. Para los que no estéis familiarizados con el original televisivo, conviene aclarar que gira alrededor de la historia de siete naúfragos que acaban en una isla tropical tras el hundimiento del yate en el que se encontraban como consecuencia de una lluvia torrencial. Una premisa que puede dar mucho de sí y que espero que Gad sepa aprovechar al máximo. - 
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| 'El amanecer del planeta de los simios', tráiler Posted: 18 Dec 2013 05:27 AM PST Aquí está, para disfrutar y dejarnos con la miel en los labios. Una semana después de presentar los primeros carteles, 20th Century Fox revela el primer tráiler de ‘El amanecer del planeta de los simios’ (‘Dawn of the Planet of the Apes’, Matt Reeves, 2014), la continuación de ‘El origen del planeta de los simios’ (‘Rise of the Planet of the Apes’, Rupert Wyatt, 2011). A pantalla completa y a todo volumen es una gozada. Enigmático y épico. Lo que debía ser. Igual soy un blasfemo por decir esto, pero me ha entusiasmado más que el teaser de ‘Interstellar’ (Christopher Nolan, 2014). Dicho queda. El director del remake de ‘Déjame entrar’ (‘Let Me In’, 2010) ha sido el encargado de orquestar una esperada secuela que protagonizan Andy Serkis, Gary Oldman, Jason Clarke —ojo a este actorazo—, Keri Russell, Toby Kebbell, Kodi Smit-McPhee, Enrique Murciano y Judy Greer. ‘El amanecer del planeta de los simios’ tiene lugar una década después de la expansión de un potente virus que ha mermado la población humana. Los supervivientes tratan de mantener una débil paz con una creciente nación de simios evolucionados liderada por César, sin embargo, la guerra por el planeta es inevitable. La película se estrena el 11 de julio en Estados Unidos y una semana más tarde en España. - 
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| Posted: 18 Dec 2013 03:00 AM PST La nueva película de Lars von Trier lleva años causando polémica y por lo tanto, aumentando el hype sobre su estreno. Y es que desde que se anunciara que el director danés iba a rodar una película sobre sexo se dispararon los rumores a medidad que iban llegando noticias y detalles sobre la cinta: que si va a ser una película porno, que si los actores van a rodar las escenas de sexo real, y un largo etcétera. ‘Nymphomaniac’ es ahora una realidad y llegará a nuestras pantallas en dos partes: la primera el 25 de Diciembre y la segunda, justo un mes después, el 24 de enero. En las primeras semanas de diciembre se han ido realizando pases de prensa de la cinta en toda Europa y todos los asistentes firmaban cláusulas de silencio comprometiéndose a no escribir sobre la película hasta una fecha más cercana a la fecha. Obviamente, los periodistas cumplierona rajatabla, pero no pudieron evitar mencionar la firma de ese contrato, aumentando, claramente, el hype hacia la película. Y así ha funcionado todo con ‘Nymphomaniac’, que ha contado con una campaña de marketing ejemplar desvelando muy minuciosa y cuidadosamente sus cartas para tener a su espectador potencial en vilo. Yo he caído en la trampa, ¿y vosotros? El argumento ‘Nymphomaniac’ es la salvaje y poética historia del viaje erótico de Joe, de una mujer desde su nacimiento hasta los 50 años y auto-diagnósticada como ninfómana. En una fría noche de invierno, el viejo y encantador soltero Seligman, encuentra a Joe sin concocimiento en un callejón y la lleva a su apartamento, donde le cura las heridas y pregunta por su vida. Él la escucha cuidadosamente a lo largo de los 8 eposodios que relatan su lujuriosa, polifacética historia de su vida. Como en otras de sus películas, Lars von Trier divide su historia —que a la vez está dividida en dos partes— en 8 capítulos que se corresponden con las diferentes etapas en la vida del personaje principal: 1. The Complete Angler El director En 2011, el director nacido en Dinamarca Lars von Trier presentaba en la Sección Oficial del Festival de Cine de Cannes su película número 20, ‘Melancolía’ y justo tras su rueda de prensa, el festival declaraba al danés como ‘persona non grata’ por unas mal afortunadas declaraciones en las que admitía que simpatizaba con Hitler. Así se convertía Lars von Trier en el chico malo del cine europeo, aunque analizando su filmografía bien se puede entender que siempre le gustó ir a contracorriente y precisamente eso, es lo que le ha convertido en uno de los grandes autores del cine europeo. Tras el estreno de ‘Europa’ en 1991, el realizador danés decidió que el cine necesitaba un cambio al estar convirtiéndose en algo demasiado superficial, y por lo tanto, alejado de la verdad y la realidad. Por eso, en 1995 crea, junto a su colega Thomas vinterberg, el movimiento cinematográfico Dogma 95 cuyo objetido era el de hacer cine basado en la historia, la actuación y el tema y excluyendo el uso de efectos especiales o tecnología. Durante 10 años, el colectivo Dogma 95 regaló al cine europeo películas como ‘Celebración’ (‘Festen’, 1998, Thomas Vinterberg) o ‘Los idiotas’ (‘Idioterne’, 1998 Lars von Trier). Desde ahí ya lo tenía todo hecho, y su cine siempre estuvo rodeado de polémica, sobre todo, por su part icular forma de tratar el drama sin ningún tipo de concesión. Como muestra un botón: la abrumadora ‘Bailar en la oscuridad’ (‘Dancer in the Dark’, 2000) o su brutal trilogía sobre Estados Unidos: ‘Dogville’ (id, 2003) y ‘Manderlay’ (id, 2005) —la tercera parte, ‘Washington’ no ha sido producida—. Así, llegamos a la trilogía de la Depresión de la que forma parte ‘Nymphomaniac’ y que empezó en 2009 con ‘Anticristo’, seguida de ‘Melancolía’ en 2011, dos títulos que causaron revuelo a nivel internacional. El reparto de la película Y es que claro, si ‘Nymphomaniac’ no estuviera protagonizada por estrellas de primera línea seguramente el morbo que siente ahora mismo el espectador no sería el mismo. Lars von Trier se ha rodeado de un reparto coral para esta reflexión sobre la sexualidad. Charlotee Gainsbourg es aquí la jefa de todo esto —y nótese mi referencia a ‘El jefe de todo esto’ (‘Direktøren for det hele’, 2006, Lars von Trier)—. La francesa, que repite por tercera vez con el director danés, encarna a Joe, la mujer auto-diagnósticada como ninfómana y sobre la que girará la historia. Tras ‘Anticristo’, puede que estemos aquí ante la mejor interpretación de la hija del mítico Serge Gainsbourg. Junto a ella, Stellan Skarsgard, en la piel del hombre que le salva la vida. El sueco, otro habitual de Lars von Trier, ha sabido labrarse una carrera muy sólida a caballo entre Europa y Estados Unidos, que pasan desde la saga ‘Thor’ o ‘Piratas del Caribe’ hasta ‘Dogville’ o ‘Rompiendo las olas’, del propio Lars von Trier.
Mucho menos olvidados son Shia LaBeouf y Jamie Bell. El primero, con su participación en ‘Nymphomaniac’ deja bien claro que quiere quitarse de encima la imagen de niño mainstream, reputación que se ganó con la saga ‘Transformers’ o su trabajo en ‘Indiana Jones y el reino de la calavera de cristal’, y convertirse en la nueva imagen del cine de autor, tras haber protagonizado un videoclip para Sigur Ros. Eso sí, el muchacho lo está poniendo díficil: acaba de salir la noticia de que ha plagiado un cómic de Daniel Clowes para hacer un cortometraje. Por su parte, Jamie Bell ha sabido manejar mejor su carrera, habiendo trabajado con Stephen Daldry, David Gordon Green, Thomas Vinterberg, Peter Jackson, Clint Eastwood o Steven Spielberg, entre otros. Todos los vídeos de ‘Nymphomaniac’
Los carteles de la películaGalería de fotos(Haz click en una imagen para ampliarla)                   - 
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| Añorando estrenos: 'El compromiso' de Elia Kazan Posted: 18 Dec 2013 01:21 AM PST Hace poco, como celebración del cumpleaños número 97 de Kirk Douglas, os presentaba diez de sus grandes interpretaciones, y entre ellas figuraba ‘El compromiso’ (‘The Arrangement’, 1969), película desconocida para muchos de los que por aquí escriben. Hoy en esta sección, últimamente tan activa, os la traigo porque merece el rescate más allá de significar una de las últimas obras del siempre polémico en boca de los que sólo ven política en las cosas Elia Kazan. El que fuera el mayor delator en la desastrosa caza de brujas del senador McCarthy tiene una filmografía que debería despertar las envidias de muchos con sólo 19 títulos a los largo de 31 años. En mi caso particular crecí con películas como ‘¡Viva Zapata!’ (‘Viva Zapata!’, 1952), ‘Al este del edén’ (‘East of Eden’, 1955) y ‘Esplendor en la hierba’ (‘Splendor in the Grass’, 1961). Antes de atreverse con la dirección de largometrajes Kazan aparece como actor en algunas películas realizando curiosos personajes —son particularmente llamativas sus intervenciones en ‘Ciudad de conquista’ (‘City of Conquest’, Anatole Litvak, 1940) y ‘Blues in the Night’ (id, Anatole Litvak, 1941)—, y soy de los que habría disfrutado si este turco emigrado a Estados Unidos hubiese compaginado sus ambas facetas, pero todo en este mundo no se puede tener, y lo cierto es que detrás de las cámaras Kazan ha causado casi siempre fascinación y nunca dejaba indiferente. En el caso que nos ocupa adapta una novela propia, lo cual fue visto por muchos como un error; no obstante nos encontramos ante el film más arriesgado de su director, bastante difícil en su narrativa y adelantado a su tiempo en unas cuantas décadas. (From here to the end, Spoilers) Kirk Douglas da vida a Eddie Anderson ,un exitoso publicista que una mañana decide cometer un acto de suicidio de forma muy llamativa. Con su descapotable y entre dos camiones en el interior de un túnel da un volantazo para meterse debajo de uno de ellos provocando un aparatoso accidente del que milagrosamente sale con vida. Descansando en su lujosa casa y negándose a hablar con nadie Anderson repasa su más reciente pasado. Su rápido ascenso en la vida publicitaria en la que demuestra ser un excelente vendedor, su matrimonio con una mujer sumisa y muy enamorada —Deborah Kerr en la última interpretación de su carrera— y el lío amoroso con una ambiciosa compañera de trabajo —Faye Dunaway en uno de los personajes más sensuales de su filmografía—. Pronto empezará a dar muestras de que su vida es un caos comportándose de forma extraña y rozando la locura, un grito de rebeldía consigo mismo que no es más que la petición de una nueva oportunidad. El riesgo de Kazan supone narrar la historia como si de un galimatías sin sentido se tratase, algo sin duda intencionado con la intención de incomodar, de provocar y de realizar una analogía con las desequilibrada, hasta cierto punto, mente del protagonista. A finales de los años sesenta, con el cine europeo marcando fuertes tendencias que rompían, para bien o para mal, las reglas del mal llamado cine clásico, Kazan realiza un triple salto mortal sin red, con no pocos detalles autobiográficos que pueden sorprender, e incluso escandalizar a más de una mente mojigata y conservadora. Un riesgo formal que termina siendo la película más personal del director más odiado por su propio mundo. Flashbacks de un pasado tormentoso que se funden con el presente nada esperanzador, desdoblamientos de personalidad enfrentando al Eddie seguro de sí mismo y exitoso, pero también manipulador, con el Eddie más humano y temeroso, son algunas de las muestras de un Kazan que en realidad está gritando de rabia a todo espectador moralista de juicio rápido y ramplón. ‘El compromiso’ tiene una baza muy importante en un elenco entregado a un juego que no muchos habrían aceptado. Kirk Douglas, que no dejó satisfecho a Kazan como años más tarde declararía éste en sus memorias, ofrece una de sus vitalistas interpretaciones marcándose un registro que evoluciona desde la más tranquila calma, con esos silencios iniciales tan incómodos para el resto de personajes, hasta un tramo final lleno de intensidad. Son particularmente llamativas sus interacciones con Deborah Kerr en uno de sus papales más atrevidos, y sobre todo con Richard Boone, que interpreta a su duro padre —insólito si tenemos en cuenta que Boone era unos meses más joven que Douglas—, sin duda la persona más influyente en la vida de Eddie, que rememora momentos concretos de su infancia en los que vemos a un padre controlador y una madre que siempre le protegió. Kazan no desaprovecha la oportunidad de criticar a una sociedad que cambiaba a marchas forzadas, el consumismo y la falta de verdaderos ideales. Si ‘La ley del silencio’ (‘On the Waterfront’, 1954) era su excusa por haber sido un delator, ‘El compromiso’ es un grito desesperado y lleno de una rabia casi incontrolable hacia todos aquellos que le dieron la espalda. Un golpe en el mismísimo corazón del país que le acogió, con una honestidad tan salvaje que aún a día de hoy haría enrojecer a muchos. Y como hablamos de una sociedad tan moralista y puritana como la estadounidense, Kazan no se cortó en escenas de sexo demasiado atrevidas para la época, aprovechando la sensualidad de Dunaway, capaz de alterar en esta película a cualquiera —atención a las fotografías que se sacan ella y Douglas desnudos en la playa—, y acertando de lleno con el personaje de Deborah Kerr, que intenta satisfacer a su marido sexualmente pero no pasando del cálido abrazo en una habitación con dos camas. Dura, arriesgada, provocadora, por sus imágenes navega todo cineasta transgresor de aquellos años —léase Fellini, léase toda la Nouvelle Vague— y difícil de asimilar, ‘El compromiso’ es un aluvión de verdad, en forma de bofetada dolorosa en toda la cara, honesta, sincera y rebelde. - 
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| Cine en el salón: 'Superdetective en Hollywood II', más acción, más humor...mejor Posted: 17 Dec 2013 11:30 PM PST Tras las muchas anécdotas que se acumularon durante su pre-producción, y que incluyen el que Martin Brest lanzara una moneda para decidir si iba a dirigir el filme o no, o el hecho de que Mickey Rourke primero y Sylvester Stallone, después, fueran los actores considerados para interpretar a Axel —Stallone se bajo de la cinta cuatro semanas antes del comienzo del rodaje y fueron necesarios severas re-escrituras para adaptar el libreto a Eddie Murphy— ‘Superdetective en Hollywood’ (Beverly Hills Cop’, Martin Brest, 1984) se convirtió en la cinta más taquilleras del año de su estreno en Estados Unidos, acumulando 234 millones de dólares que se transformaron en 316 a nivel mundial, situándola en la escala planetaria sólo por detrás de ‘Indiana Jones y el tenplo maldito’ (‘Indiana Jones and the Temple of Doom’, Steven Spielberg, 1984). Y todos sabemos ya lo que eso supone en la mentalidad hollywoodiense. Secuelas. Cuantas más mejor. Con esto en mente, resulta curioso que la primera intención de la Paramount para con las aventuras de Axel Foley, ese detective caradura de la policía de Detroit que es, sin duda alguna, el personaje más icónico de cuantos ha representado Eddie Murphy, fuera convertir a ‘Superdetective en Hollywood’ en una serie de televisión —una idea que fue retomada y vuelta a deshechar hace poco en favor de una nueva entrega cinematográfica—. Pero la negativa de Murphy ante la opción de la pequeña pantalla, y sus ganas de volver a interpretar a Foley en un largometraje, fueron razones suficientes para que Paramount, Jerry Bruckheimer y Don Simpson se pusieran manos a la obra de cara a ‘Superdetective en Hollywood II’ (‘Beverly Hills Cop II’, Tony Scott, 1987). Supongo que con la intención de que cada entrega de la saga tuviera una personalidad diferente —lo que llevaría a Paramount a contar con John Landis para la muy olvidable tercera parte—. Simpson y Bruckheimer quisieron repetir colaboración con Tony Scott después de los espléndidos resultados comerciales que había obtenido el hermano de Ridley el año anterior con ‘Top Gun (Ídolos del aire)’ (‘Top Gun’, 1986), una cinta a la que mucho se le puede achacar en lo que a guión e interpretaciones respecta pero que cuenta con una más que correcta labor de realización. Y es precisamente la inclusión de Scott la que, unido a un guión bastante más eficiente, convierte a ‘Superdetective en Hollywood II’ en un filme que, a mi parecer, supera con mucho a la primera parte. Reformulando una idea inicial que pasaba por haber trasladado la acción a París y Londres, en el regreso de Foley a Beverly Hills tras la negativa de Murphy de rodar fuera de Estados Unidos, lo cierto es que la estructura básica del guión de esta segunda parte bebe directamente del esquema que movía la primera, cambiando de nuevo el personaje los grises de Detroit por la soleada California para investigar un crimen, en este caso el tiroteo que casi acaba con la vida del Capitán Bogomill —interpretado de nuevo, aunque aquí su protagonismo sea testimonial, por Ronnie Cox—. Con Judge Reinhold y John Ashton de nuevo en la piel de ese “matrimonio viejo” que son Rosewood y Taggart, ‘Superdetective en Hollywood II’ tiene muy claro desde el principio que si quiere volver a convertirse en al menos parte del éxito que fue su predecesora, tiene que ofrecer lo mismo que la primera entrega aumentado y corregido, potenciando los dos factores que combinados, hacían funcionar tan bien al primer capítulo de las aventuras de Foley: el humor y la acción. El primero está plenamente garantizado con la sola presencia de un Eddie Murphy que, lejos todavía de las patochadas infumables en las que después incurrirá durante los noventa y haciendo buen uso aún de su característica risotada, convierte la caradura con la que su personaje sigue haciendo de las suyas en la mejor arma para provocar la carcajada sin problemas, y varias son las escenas aquí incluídas ex-profeso para el lucimiento de la acusada vis cómica del actor afroamericano, destacando tanto la “entrega” de cierto peligroso paquete como el momento de la incursión de los tres policías en el despacho del abogado del “malo” de la función, una secuencia esta que, da igual cuántas veces haya visto, siempre me hace reir. Pero donde realmente resalta ‘Superdetective en Hollywood II’ con respecto a su antecesora es sin duda alguna en el cambio a mejor que supone la dirección de Scott con respecto a la de Brest. No quiero con esto menospreciar la labor del segundo para con la primera parte, pero lo cierto es que, aún apreciando la cinta, siempre me ha parecido que adolecía de un ritmo bastante irregular y que el trabajo del cineasta se salvaba en no pocas ocasiones gracias al carisma de Eddie Murphy y a las intrigas planteadas por el guión. Solucionada la falta de personalidad en la butaca del director con la participación de Scott, y si bien hay que admitir que posteriores trabajos suyos son bastante más enérgicos, encontramos en las varias secuencias de acción que trufan el metraje el complemento perfecto al humor que destila el mismo, contándose entre las mejores de ellas los dos robos, la persecución tras el segundo y, por supuesto, el clímax final. Quizás acostumbrados a lo que el cine de género nos ha ido dejando en tiempos presentes, asomarse con una mirada actual a lo que ‘Superdetective en Hollywood II’ nos ofrecía hace tres décadas sea suficiente como para poner de relieve sus carencias —esos villanos arquetípicos hasta decir basta, lo previsible que es todo el conjunto—, pero os puedo asegurar que, habiéndola visto el año de su estreno, e incontables veces desde entonces, la producción es uno de esos filmes a los que les perdonas todo por su inmediata capacidad para hacerte rejuvenecer treinta años. Y eso no hay quien lo pueda criticar. - 
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| 'Blended', tráiler de la nueva comedia de Adam Sandler y Drew Barrymore Posted: 17 Dec 2013 06:12 PM PST Una semana después de conocerse que es la estrella menos rentable de Hollywood, aparece el tráiler de la nueva película protagonizada por Adam Sandler. Como ya os adelantamos, ‘Blended’ (2014) vuelve a reunir al cómico con Drew Barrymore, una pareja que ya coincidió en dos títulos de éxito, ‘El chico ideal’ (‘The Wedding Singer’, Frank Coraci, 1998) y ’50 primeras citas’ (‘50 First Dates’, Peter Segal, 2004). En esta nueva comedia romántica dirigida por Frank Coraci, Sandler y Barrymore dan vida a dos padres solteros que tras una desastrosa cita a ciegas descubren que deben compartir su tiempo de vacaciones en África. Una trama tan desganada y sosa como el tráiler, que no me ha hecho reír ni una sola vez. Pero igual es que he tenido un mal día, ya me decís si a vosotros os ha hecho gracia. Joel McHale —una de las estrellas de la imprescindible ‘Community’ (varios, 2009-2013)—, Bella Thorne, Terry Crews, Wendi McLendon-Covey, Kevin Nealon y Jessica Lowe completan el reparto del film, escrito por Ivan Menchell y Clare Sera. Warner Bros. estrenará ‘Blended’ en Estados Unidos el 23 de mayo y en España el 26 de junio. - 
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| Ari Folman prepara una adaptación animada del diario de Ana Frank Posted: 17 Dec 2013 03:21 PM PST Hay una necesidad real de nuevo material artístico que mantenga viva la memoria para las generaciones más jóvenes. Ari Folman, del que ya deberíais haber visto ‘Vals con Bashir’ (‘Vals Im Bashir’, 2008), tiene nuevo proyecto entre manos y eso es motivo de alegría. El director israelí ha empezado a preparar un largometraje animado basado en la historia de Annelies Marie Frank Hollander, más conocida como Ana Frank, la adolescente judía que relató en su diario el infierno de la ocupación nazi mientras permanecía escondida junto a su familia. Y que si viviera hoy en día habría sido, sin duda, una belieber. Ejem. Según se ha informado, Folman cuenta con el apoyo del Fondo Ana Frank —creado en 1963 por Otto Frank, su padre— y tiene acceso a los manuscritos originales que se conservan de la muchacha, una oportunidad única para hacer la película. Aún se encuentra en una fase muy inicial, todavía no hay un guion ni un título, pero se asegura que la producción arrancará en el invierno del año que viene. Como sabréis, el relato ya ha sido adaptado en numerosas ocasiones, destacando ‘El diario de Ana Frank’ (‘The Diary of Anne Frank’, George Stevens, 1959) como el trabajo más aplaudido. En el X Festival de Sevilla tuve la oportunidad de ver ‘The Congress’ (2013), lo último de Folman, y aunque desbarra un poco en su último acto tiene secuencias maravillosas —Robin Wright está impresionante—. Es otra joya que confirma a este narrador como uno de los más estimulantes del panorama actual. Vía | Bandejadeplata - 
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| Antoine Fuqua dirigirá el biopic de Jesse Owens Posted: 17 Dec 2013 02:14 PM PST Todos sabemos las atrocidades que acabó cometiendo cierto dictador alemán con bigote, pero antes de ser el principal causante de la II Guerra Mundial ya quiso alardear de sus ideales en los Juegos Olímpicos de 1936 en Berlín. Sin embargo, un atleta de color llamado Jesse Owens le aguó la fiesta —e hizo historia— al llevarse para casa 4 medallas de oro. Ahora el cine abordará esa historia centrándose en la figura de Owens y ya se ha confirmado que Antoine Fuqua, el hombre detrás de cintas como ‘Training Day‘ (2001) y ‘Objetivo: La Casa Blanca‘ (‘Olympus Has Fallen’, 2013), va a dirigirla. La película aún carece de título, pero sí que se sabe que tomará como base el libro ‘Triumph‘ de Jeremy Schaap y que el guión correrá a cargo de David Seidler, quien tiene un Oscar en su casa por haber desempeñado esa labor en ‘El discurso del rey‘ (‘The King’s Speech’, Tom Hooper, 2010). Aún se desconoce la identidad del actor que dará vida al mítico Owens, un papel que bien podría acabar suponiendo un premio de la Academia para el elegido, pero no nos adelantemos, que todavía queda mucho para que esta producción de Walt Disney sea una realidad. PD: Lo próximo que estrenará Fuqua será ‘The Equalizer‘ (2014) —pinchad aquí si queréis ver su primera imagen oficial—. Vía | Variety - 
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| Tu butaca define tu personalidad Posted: 17 Dec 2013 10:32 AM PST Cada vez que vamos al cine tomamos varias decisiones que pueden influir en nuestro visionado. Saber la película que vamos a ver o decidirlo en taquilla, comer o no palomitas, ir solo o acompañado, pasar por el baño antes de entrar a la sala, apagar el móvil o dejarlo encendido… Cuando podemos elegir, y no vamos con un grupo de amigos que nos condicione, solemos tener una zona favorita donde sentarnos. Por eso me ha parecido muy curioso un estudio que analiza la personalidad del espectador dependiendo de la butaca que suele elegir. Según la psicóloga Hiromi Mizuki, las personas que se sientan en la zona del medio de la sala son las que suelen llegar antes, planificar con tiempo la visita al cine, y dan importancia a “apreciar el evento”. Las que optan por la parte posterior de la sala, “busca sentirse segura […] desean tener un panorama general de toda la situación, por si se presenta alguna emergencia”. Curioso, también añade que “son un poco tímidos y temerosos de ser influenciados por otros”. En cuanto a los que suelen elegir butacas en las primeras filas, comenta que son espectadores que buscan “emociones fuertes”, “estar muy cerca del evento” y “estar constantemente con otras personas”. Hay otras zonas, podéis consultarlo aquí. Aunque puede que acierte en algunas conclusiones, dudo que el estudio de esta profesional tenga algún valor real. Hay circunstancias que nos pueden llevar a elegir una butaca u otra que ella no tiene en cuenta. Por ejemplo, en mi caso, suelo preferir las primeras filas porque así no tengo a nadie delante y no me distrae, pero he ido más veces solo que acompañado, y de hecho, cuando voy con alguien suelo sentarme más atrás, no me importa demasiado el sitio. ¿Y vosotros? ¿Tenéis algún lugar favorito cuando vais al cine? Y de ser así, ¿sois cómo os describe el estudio? - 
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| Posted: 17 Dec 2013 09:02 AM PST ‘Gravity’ (id, Alfonso Cuarón, 2013) es una de las grandes películas del año desde su estreno. Muchas palabras se han vertido ya al respecto, epítetos gastados mil y unas veces en desahogarse en lo que muchos consideran un clásico instantáneo apresurándose a dejar impresiones sobre algo que es mucho más que una simple película, un experiencia pura y dura en la que Alfonso Cuarón ha estado trabajando los últimos años de sus vida hasta hacer un trabajo que ha obtenido una respuesta popular y crítica fuera de lo común. ¿Es tal vez ‘Gravity’ la prueba patente de lo que muchos pensábamos, que Cuarón se halla entre los narradores más grandes del cine actual? No soy fan de su aproximación al universo de Dickens ni de su aventura de Harry Potter, eso sí, la mejor de todas, la entrada en Hollywood para demostrar que podía encargarse fácilmente de una supeproducción. ‘Y tu mamá también’ (2001), con ecos de Truffaut e ‘Hijos de los hombres’ (‘Children of Men’, 2006) son manjar de otro paladar más exquisito y exigente. El film protagonizado por Clive Owen ofrecía un futuro cercano desolador que acariciaba el fin de la raza humana, destacando con una puesta en escena que lograba lo que muy pocos logran en la actualidad, y muchos han olvidado, escribir con la cámara, que diría Douglas Sirk —por poner un ejemplo de director radicalmente distinto al mexicano y conocedor de la más importante herramienta narrativa del séptimo arte—. Con ‘Gravity’ Cuarón da un paso más poniendo en imágenes de aparente sencillez y articulando con la puesta en escena en todo su esplendor un discurso emocionante sobre la vida en sí a través de la historia de una mujer astronauta en la aventura más grande de su existencia. Puro cine de aventuras no falto de reflexión y lleno de detalles en cada plano, en cada minuto de su condensado metraje, otro de los aciertos, en este caso atrevidos, de esta obra maestra. (From here to the end, Spoilers) La premisa de ‘Gravity’ parte del primer vuelo espacial a bordo de un transbordador por parte de la doctora Ryan Stone (Sandra Bullock), que acompañada del veterano Matt Kowalski —George Clooney, que aportó ideas sobre su personaje— sufrirá un accidente espacial de catastróficas consecuencias dejando a ambos flotando y con pocas posibilidades de sobrevivir. La veteranía frente a la inexperiencia que se convertirá en fuerza de voluntad y ganas de vivir. Cuarón demuestra un dominio narrativo desde el primer minuto que deja literalmente con la boca abierta, al hacernos sentir, o acercarnos a ello, con una puesta en escena deslumbrante que pasa por impresionantes planos secuencia hasta tomas subjetivas como si fuésemos nosotros los protagonistas. Un ejercicio de estilo tal que sobrepasa en intenciones todo posible artificio al plasmar en pantalla algunos de los apuntes argumentales más interesantes y efectivos que ha dado el cine mainstream en los últimos años. ‘Gravity’ es la historia de la supervivencia del ser humano, la historia de Stone, una mujer que tras alcanzar la estación rusa adopta una posición fetal y a partir de ahí experimenta un auténtico nacimiento, una vuelta a la vida que quedó truncada por la pérdida de una hija, que nunca jamás debería abandonar esta vida antes que un padre o una madre. El tour de force en toda regla que se marca Sandra Bullock, actriz que dicho sea de paso no suele convencerme, es de los que hacen historia aunque suene exagerado. Si esta actriz merece un Oscar —ese premio en el fondo tan absurdo, pero que en cierto modo representa el triunfo máximo de un actor, al menos estadounidense— sin duda es por esta película y no por la que lo ganó, de cuyo título ya me he olvidado afortunadamente. A ello también ha ayudado sin duda la excelente mano de Cuarón para los actores, en este caso dos estrellas que logran precisamente desenvolverse de su aura de actores archiconocidos por todo el mundo. Aunque ‘Gravity’ tenga en pantalla todo el rato a Bullock, la verdadera estrella es el director que se atreve además a que una película de estas características dure tan sólo 90 minutos con títulos de crédito incluidos. En una época en la que las grandes producciones, sobre todo las que están llenas de efectos visuales, y ésta lo está, suelen sobrepasar las dos horas largas, volver a una duración muy típica de los años dorados de Hollywood es algo que honra a Cuarón. Pocas veces han armonizado tan a la perfección los múltiples elementos técnicos y artísticos que conforman una película, y entre todo ellos destacan el crescendo dramático que marca la sensacional partitura de Steven Price, y sobre todo el trabajo de fotografía de Emmanuel Lubezki, que logra algunas de las tomas más bellas de un muy creíble espacio con nuestro planeta de fondo, algo que no se veía desde el trabajo de Jack N. Green en ‘Space Cowboys’ (id, Clint Eastwood, 2000). ‘Gravity’ da comienzo en el espacio, con el ser humano y los más grandes adelantos técnicos a su disposición, y concluye tras todo un periplo por parte de Stone, en una orilla con una mujer en bragas sosteniéndose duramente sobre sus piernas como si estuviese aprendiendo a caminar. Cuarón mira de frente a la humanidad, a la que hace realizar un viaje metafórico al revés, y ya de paso establece una alegoría sobre la crisis, cualquier crisis, y la absoluta necesidad de conocernos a nosotros mismos, sin artilugios, sin maquinitas ni aparatosas máquinas espaciales, el absoluto derecho de volver a nuestras raíces y comprender de dónde venimos y nuestra esencia, para simplemente levantarnos, enfrentarnos a nuestras calamidades dejando atrás nuestras lágrimas y llantos por lo perdido, y seguir. Seguir caminando hacia delante, aunque nos sintamos completamente solos. Otras críticas en Blogdecine:
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A lo largo de su vida, Joe —interpretada por la desconocida Stacy Martin en su versión joven—, el personaje principal de la película se topa con diferentes personajes que le harán descubrir lados totalmente desconocidos del sexo para ella. Un abanico de personajes interpretados por un más que interesante abanico de intérpretes. Connie Nielsen y Christian Slater encarnan a los padres de Joe. Una pareja de actores reputados y con sólidas carreras pero algo olvidados para el gran público en los últimos años. Y hablando de actores reputados, al reparto de ‘Nymphomaniac’ hay que sumarle la presencia de Willem Dafoe y Uma Thurman.
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